在电影摄影师、导演孔维正看来，拍电影是命题作文。只要明确拍摄目标，找对灯光摄影拍摄方案，艺术追求和商业需求的冲突可以不存在。
比如奔着哪个奖项去拍片子，摄影就去研究类似的叙事风格如何，用怎样的光线摄影技术拍出来。这其实是一套技术体系，跟故事本身关系不大。
再比如商业片有色彩、对比、打斗等等必须有的元素，剧本层面很可能差别不大，但使用何种光影处理方式却能决定故事怎么讲，创造一个怎样的"虚拟"世界。
正如戈达尔所说："电影是每秒24格的真理。"通过连续帧率的技术手法捕捉现实片段素材，再以艺术化的处理方式赋予这些素材超越物理真实的表达。精于光影技术的电影摄影师可以通过光影叙事打破现实逻辑，把每一帧"真实"巧妙转化成光影的幻术。
这些技术的探索和经验的沉淀也反映在他参与摄影以及导演的作品里。担任孟京辉导演网剧《卡夫卡的梦》摄影指导；摄影指导短片《奇怪的世界》入围71届戛纳国际电影节短片角；导演短片作品《二马盗杯》获第10届意大利MIIFF最佳剧情片奖。
作为电影摄影师和导演，他对影像叙事有自己的一套思维和落地逻辑。同一个故事，用不同的导演策略、摄影策略、灯光策略，就能既能拍成文艺片，也能拍成类型片。如何选拍摄器材，让器材为故事服务？怎么通过选适合的拍摄器材，最优的灯光方案，实现低成本拍摄？依靠多年经验积累，他总结出涵盖影像叙事、成本控制、器材选择、团队协作等方面的实用创作技巧。
4月17日-20日，益起映创邀请孔维正老师走进线下课堂，进行一次「导演的摄影课」创作分享。
开课前，我们提前向孔维正老师请教了一些问题，以下是访谈对话文字整理。
益起映创：孔老师您好，又见面了。您上次在后浪开课还是四年前的"光影造型课"，学员学到很多切实有用的布光技巧。这次开课主题是"导演的摄影课"，开发这门课程是基于什么考虑？
孔维正：首先还是基于对行业整体的观察。这几年行业形势也发生了一些变化。前几年可能分得比较细致，比如摄影专业的学生或年轻人想入行，掌握好光影技术可能就满足行业用人标准了。近几年随着新媒体、流媒体变化，对从业者技能也有了更全面的要求。不止要会拍，可能还需要会剪，甚至会编会导。只会拍摄的摄影师，可能不像前几年那么容易获得工作机会。因此从解决学员以后现实就业问题来讲，能编、能导、能拍，还能自己剪，就成为非常核心的诉求。
所以，我在做摄影工作同时，也会拍一些自己的节目、网剧、小的院线电影，也做过广告片导演，短片导演。也因此对于实操中小团队或一个人，如何同时调用导演、摄影的思维和技术，有效率、高品质、短平快地完成项目，有一些实用经验的积累。
孔维正老师电影作品
其二是我观察到的，在年轻创作者中广泛存在的两个问题：一个是艺术和商业的平衡；一个是理论和实操的衔接。比如有很独特的艺术创意，也因为看过大量影片，产生一些想去实践的理论层面的创作意图，但其实从想法到扛起机器，用什么样的设备、镜头等去配合演员的表演，理论和实践融会贯通能力有很大欠缺。
因此，基于以上考量，最终设计了这次"导演的摄影课"，希望通过这次课程解决"导演如何把创作理念落地成可拍的、有质量的、拿得出手的作品"这一问题。这也是这门课希望达到的教学目标。
益起映创：也就是说，未来的摄影师，可能需要具备打破多个工种，比如导演、摄影、剪辑等等，各自之间壁垒的能力。
孔维正：我觉得是目标决定方向。我观察到的学摄影的人群，主要是这两类——一类更关注很具体的摄影相关问题，比如曝光、色温之类很具体的细节，这类青年朋友主要还是想通过传统职业成长路径，一步一步往上；另一类则是有自己的表达欲，也有自己的想法和剧本，但不知道如何进行专业拍摄，落地成他们想实现的样子。这类学员通常会问一些比较中立的问题，比如怎么设计镜头、怎么分镜，摄影光线对气质的影响等等。这些问题很难用语言生动准确解释清楚，需要实践来解答。
这两类诉求对应不同的训练路径，相通的是都需要通过大量实践去获得。拿影视摄影最重要的部分之一——灯光来说，光对于造型和意义的传达是第一重要的。但其实灯光工作不只是拍摄，本质是涵盖光线效果、视觉传达等任务的一个设计工作。系统的、纵深的灯光理论和实践需要长期的学习训练，过去在"光影造型课"中也有过细致的讲解。这次课程更倾向于让想认识摄影、快速上手的导演，或想从事影视制作的年轻从业者，快速了解灯光是什么、灯光的目的是什么、灯光的基本做法是什么。
孔维正老师过往布光课程
灯光部分会占这次课程总体内容的25%。除此之外还会讲到摄影机、镜头的技术选择，导演的视听语言，以及实践导向的，以短片创作为例，从理念到成片的全流程实操。把所有摄影、灯光、视听语言等结合到一个情境，学习如何用不同的导演理念，结合不同的摄影方法、灯光方案，把同样的故事拍出不同类型和风格。主要是文艺片和商业片。
益起映创：也就是说，同样一个故事，可以用文艺片的灯光摄影方案拍出文艺片效果，也可以用商业片的灯光摄影方案拍成商业片。
孔维正：某种程度上可以这样说。在影视拍摄中，光线本身就具有塑造人物、渲染气氛、烘托主旨的作用。摄影或者说导演工作更像是命题作文。根据我和很多导演合作的经验，一类是青年导演找我拍文艺片，另一类是稍微年长一些的导演找我拍商业片。这两种类型的导演在摄影和灯光方面的解决方案是完全不同的，但有时故事的主题其实是相似的。
如果是不同故事拍成不同类型的影片，比如一个拍成文艺片，另一个拍成类型片，两者不能放在一起做比较。但如果导演有明确的拍摄目标，比如奔着哪个奖项去写了一个剧本，这时摄影就需要研究评审团喜欢的冷漠、沉默的叙事风格，用哪些光线摄影技术拍出来。这其实是一套技术体系，跟故事本身关系就不大。
再比如我们知道商业片往往有色彩、对比、打斗这些元素，其实也是一套体系。这些东西就像一个个钩子，必须都得有。故事可能差别不大，剧本里人物的行为动作描述也大同小异，但通过不同的光影设计完成不同的视觉效果呈现，最终作品质感会完全不同。
如果掌握这两种不同拍摄方式，并对比起来看，也会对文艺片和类型片有更深入的了解。
益起映创：能否先简介分享一下，这两种拍摄方式在操作上的不同？
孔维正：这里有一个主客观的问题。我只说我自己的体会和理解。拍类型片时，摄影最重要的工作是得知道每场戏是谁的戏，想让观众站在谁的立场去看。也有的摄影师认为这取决于观众，但其实从摄影技巧上是有一套操作方法的。比如先打特写，再打人物看到的东西，再打环境，再展现人物的遭遇。这是一套操作规程，让观众进入人物的主观视角当中。
电影《末代皇帝》画面
对于文艺片，我不敢说文艺片是否讲究冷静客观，但它的操作方式肯定不是简单地大特写，再切换到角色的态度或表情上。更多的是让审视角色周遭环境，以及角色独特遭遇，这些能引发观众更深层思想共振反应的东西，这也是很多文艺片的价值所在。它更接近生活。
对于我们需要把理念落实到视觉呈现的摄影师来说，文艺片和类型片的拍摄内容、方法、设备，以及要达到的效果，都是不同的。我也希望通过这次课程，让大家能具体上手并深入了解到文艺片是怎么拍摄的，要打到哪些点上。而不是简单地拍特写或者什么，然后沉浸在自己的创作里，觉得拍得很好，但其实并没有打到那个点上。那个点需要角色足够特殊，遭遇足够悲惨，能让观众像看一个动物一样审视角色，这才是文艺片的价值。
所以，摄影师需要用客观、冷静、沉着的态度去表达，用中性、中立的镜头去阐释态度，比如《花样年华》用轨道、复古镜头，以及各种灯光效果营造出来的故事质感，这些都是可以通过学习、实践做到的。
电影《花样年华》画面
课程最后一天安排是"综合实践"，会通过现场拍摄和成片复盘带学员去创作、实践、拍摄，体验对于不同导演想要的不同视觉效果，如何设计不同灯光摄影方案实现。掌握如何拍文艺片和商业片。如何拍摄冷静幽默能拿奖的文艺片风格，以及如何拍摄出动作冒险片风格。这分别对应一套成熟的操作体系。
也避免仅仅停留在理论层面，将来创作时就可以更多归类自己要做的内容，而不是像现在很多青年导演的作品，把各种元素混在一起，不知道如何用力。
益起映创：您刚刚还提到"器材选择"，新人创作者常要面临预算有限问题，在制定更节省成本的拍摄方案上，您能否给出一些意见建议。
孔维正：预算方面，有些可以省，有些不能省。比如，如果你是自己拍片子，想要走现实主义路线去拿奖，灯光其实可以省一部分。现在有很多LED灯，效果其实差不多。而且灯光很费人力，如果你要用大型灯光设备，其实是件劳民伤财的事。所以预算少的话，灯光有些是可以节省的。
我们更多要做的是反差，因为画面有了反差就会显得立体，立体了就好看了。这也是我们之前在灯光课上谈到的理念。
电影《卡拉加里博士的小屋》画面
什么是不能省的呢？摄影机。有人说用DV也能拍出来。确实能拍。但很多电影节可能会婉拒这样的作品。不是参数问题，而是因为DV色彩深度以及比特率问题，会导致作品看起来不严肃。如果用一些质量一般的机器拍摄，拍出来的画面会显得很"薄"，缺乏深度，这种"薄"的感觉会难以让观众感受到生活的厚重。
比如优秀的文艺片，尽管色调灰暗，看似不追求华丽，但你能看到什么？看到黑和灰之间各种各样细腻过渡，衣服上的材质细节，脸上的皱纹纹理。这些元素是电影创作者会着重放大的，而现实生活中我们往往忽略的。电影把这些细节呈现到观众面前，让观众能深入审视角色周遭环境和处境，也是一种主观投射。
当然这也并不意味着"器材决定作品"。拍摄的关键不在于用什么器材，而在于对于器材的运用，如何捕捉和呈现那些被忽略的细节，以及拍摄技术和后期制作。如果刻意追求某种特定风格或效果，后期制作时的选择性就会受限，成功的概率也可能会降低。
电影是世界的意象，不是真实世界的简单复制。拍真实世界没意思。因此作为导演，作为摄影师，前期拍摄素材量要足够大，镜头够多，内容够丰富，给后期制作提供更多选择和可能性。从这个角度说，选择适合的拍摄器材很重要。课程中也会具体讲到器材怎么选。
益起映创：所以用手机拍电影，比如手机厂商以4K画质电影感之类作为宣传点，也不能称为电影作品。
孔维正：在我看来，如果我们要严肃地对待拍摄短片、长片或艺术片这件事，那么选择什么样的设备来拍摄，其实是一种态度。观众看过的内容太多了，你至少要让观众能感受到你是用手机拍的，那为什么要用手机拍呢？除非你的内容与手机相关，比如偷拍，或者是在大街上模仿一个人，看到小贩与他人产生矛盾这样的场景，这时候用大机器拍可能就不太真实了。
再比如在人群中拍摄打斗场景，用手机拍摄会让素材看起来会更真实。也因为是手机拍的，观众不去质疑它的真假。这其实是导演的一种手法，也是视听语言的一部分。因此，在这种情况下，我们选择手机作为拍摄器材，是与观众建立一种心理连接，创造一种情感共鸣。
但是，我们需要明白，故事比器材更重要。器材得够好，才能配得上故事；或者器材得够特殊，才能与故事的某个设计情节相匹配，达到意想不到的效果。比如认为手机拍摄的各种参数和配置都很好，所以决定只用手机拍摄，且最终在大屏幕上展示，很可能会适得其反。因为你选手机拍摄不是因为手机适合拍摄这类作品。这时其实手机某种程度上比故事更重要了。
我想强调的是，器材是工具，要为故事服务。要根据故事需要选拍摄器材，这是选器材的原则。选择摄影机镜头也是这个原则。
益起映创：所以AI作为工具，在您看来也不会取代艺术创作。
孔维正：是的。我非常反对AI取代艺术的说法。AI工具我也在用。我个人的感受是，比如像DeepSeek，先不说它对不对，至少在我看来深度是有限的。当然未来的事情不好说，我始终坚信，人是第一位的。
电影《大都会》，默片时代制作成本最高的影片。在没有特效的年代，全部以手工绘画制作，堪称艺术杰作。
再比如AI让老照片复活的技术。因为那些古人，不是我熟悉的人。如果尝试复活一下我们生活中熟悉的人，就能判断出来那不是他，一点儿也不像。
人和人之间的了解不仅仅是长相，还包括说话方式、习惯思考等等。AI能算出人的长相，但算不出一个人的独特之处。这就是有限生活和无限之间的鸿沟。艺术创作追求的正是这种无限性，生活本身就充满了不确定性和探索的乐趣。这种不太确定的东西，更适合我们通过导演的表达来呈现。
益起映创：说到创作中的不确定性，课程实践部分设计的学习目标是"分组完成短片创作，实现文字-画面-成片的完整转化"，是一次集体创作实践。我们知道电影是集体智慧的产物，您认为更好的集体创作模式是什么样的？导演和摄影如何更好地沟通协作？
孔维正：我觉得没有标准答案。但我认为，作为摄影导演，从知识深度广度、世界观、人生经验感悟等等方面，需要比其他工作人员，包括演员，都更丰富，并且要有一定的指导性。比如你会发现，如果一部作品拍摄完成后，团队的每个人包括导演自己，都对作品是满意的，这部作品的导演一定是对自己拍摄的内容、题材，了解得远比团队任何其他一位成员要多得多。
当你和这样的导演一起工作，你会深入了解跟这个项目相关的具体知识，以及很多超越知识本身的理念。你的人生会因为这段工作经历而有所拓展，哪怕只是一小部分。跟这样的导演合作，会像和一位生活专家共事，他引领着你前行。就像他在开车，你在旁边助力，经过一两个月或半年时间，很有可能你发现自己不再是原来的自己，已经向前迈了一步，原本的生活理念、看问题的角度，都发生了改变。
比如说我在和孟京辉导演合作的几个月中，更有价值的并非学到他什么具体的技巧，而是像他所说的，电影不仅仅是拍故事，更是拍世界观。这种听起来有些抽象的观点，在实践中确实有其道理。通过与他一起工作，我的生活在某些方面也得到了质的提升。
与孟京辉导演合作《卡夫卡的梦》
因此，如果要严肃地讨论导演与摄影之间的合作，我认为首先导演应该对自己想要拍摄的题材有深入的了解，从而能游刃有余地指导团队，共同完成作品。导演需要有一种自我意识：作为导演，我就应该这样做——深入学习和研究自己特别感兴趣的东西，包括大千世界的各种小事。只有当你真正研究透彻了，你才能够指导别人。当然过程中产生一些矛盾或冲突，都是在所难免的。
益起映创：您去年有一部导演短片《二马盗杯》获得第10届意大利MIIFF最佳剧情片奖，但您好像没有担任这部短片的摄影。抛开摄影师身份，切换到导演视角，感受上有哪些具体不同？
孔维正：是的，《二马盗杯》导演和编剧是我，但摄影不是我。我之前有个想法，可能想错了。我之前特别迷恋西方的教育理念，认为干一行就不要管其他的。比如我当摄影时，就不管导演的其他方面，只把自己的工作做好。同样，我当导演时，就找一个信赖的摄影师，让他自由发挥，不给他设限。
孔维正导演作品《二马盗杯》海报
但后来我发现，这只存在于纯理论层面。我现在会觉得我当时想得不够完善或者根本就是错的。导演其实都得管，不管是摄影、美术还是表演，最后都要像揉面一样，揉成一个整体，体现一个人的理念。你不能让各个部分自己转，那样就会失去整体感。可能某个摄影师在摄影方面很出色，想法很独特，但如果我作为导演不给他设限，最后可能就无法形成一个统一的整体。美术和其他方面也是如此，需要整合在一起。
因此，导演需要给其他主创设定一个框架，让各个创作环节在框架范围内自由发挥。只要设定的"限制"足够合理，方向是对的，也会发挥很好的合力作用。
这就要求作为导演，你得非常清楚自己想要什么样的结果。比如给其他工作人员设定框架并不是限制他们的创作，而是基于很明确整体创作方式，要完成一部怎样的作品，以及由此建立的每个人的工作应该达到怎样的标准。与此同时也需要具备一定的领导力。需要找到方法，让团队成员达到作品创作标准。
从摄影的角度，我认为导演需要把摄影方面的工作想透彻、想明白，非常清楚自己要拍出什么样的画面。很多人第一次做导演可能会遇到一个问题，对于如何具体构思和呈现视觉方案感到困惑。可能只能模糊地表达想要创造一个梦幻的场景或一个阴郁的下午，但缺乏具体的视觉语言来落实这些想法。但如果导演不能明确表达出想要的画面、角度、画风和影调，最终的作品很可能会与预期的南辕北辙。
孔维正在导演作品《二马盗杯》拍摄现场
因此，这也是这次课程要解决的问题。教会大家如何去思考、表达和落实自己的视觉想法。视觉语言确实需要经过一定的训练，不能仅凭空想。
益起映创：关于视觉语言表达训练，能先简单举个例子说明一下吗？
孔维正：比如说，如果要拍一个特写镜头，我们是应该用广角镜头靠近拍摄，还是用长焦镜头远距离拍摄？再比如，拍大全景时，长焦和广角该如何选择，以达到两个镜头衔接时的节奏对比感？这些都是实操中会遇到的问题，需要用准确的视觉语言描述。
益起映创：最后介绍一下这是一门怎样的课程？适合哪些学员学习？您计划如何带领学员学习实践？
孔维正：这是一门为期4天的"导演摄影课"，从4月17号到20号。课程目的是帮助那些想要自己拍片或想要进入剧组工作的同学，快速掌握导演与摄影之间衔接的基础内容。课程学习会分为四天，第一天内容是导演的视听语言与摄影技术落地之间的衔接；第二天是关于摄影理论、摄影实践以及摄影器材知识的快速补充。
第三天会聚焦灯光，包括灯光器材、理论以及灯光的基本和进阶造型方法。第四天会将前三天学到的所有内容进行实践检验，分两个小组，把同一个故事小段落分别拍成文艺片版和类型片版。之后是做作品分析探讨。目的是让大家学会如何运用不同的摄影、灯光以及导演视听语言技巧，制作不同类型的影片。
关于适合哪些学员学习，我认为最好是已经有一定基础，自己拍过片子并遇到难以解决的问题，但又不知道如何解决的学员。如果你的专业与摄影、灯光以及导演视听语言相关，那就更合适了。如果有自己过往拍摄作品，上课前可以把自己拍过的片子准备好。上课有可能会遇到。
优秀学员以及作品我也会推荐给我认识的国内外优秀选片人，让优秀的年轻创作者、好的作品被更多人看到。我也正在寻找合适的掌机和助理，组建自己团队。也希望通过这样线下交流的机会，创造和大家认识的机会。4天的短期课程其实非常浓缩，旨在帮助大家从理论到实践，迅速掌握拍摄影片的具体操作方法和技巧，希望大家踊跃报名。
作者 | 轻舟
排版丨pelyliu
「注： 本文部分图片来源于豆瓣及网络，
若有侵权请主动联系我们。 」
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