时尚圈正经历着又一轮洗牌。
最近的时装周上，多个品牌都迎来了新任设计师的首秀。其中，就包括Alexander McQueen。
自 Lee Alexander Lee McQueen 突然离世，Sarah Burton临危授命至今，这位曾经是创始人左膀右臂的设计师，为品牌效力了 26 年之久后，选择了离开。
当人们感叹或许再也不会有真正懂得 Alexander Lee McQueen 的设计师时，Seán McGirr举起了交接棒。
尽管这是 Seán McGirr 首次担任奢侈品牌创意总监，但他自 2014 年从伦敦中央圣马丁学院硕士毕业后，其实有着颇为丰富的工作经历，亦在过去展现了自己的个性与才华。
巧合的是，Lee Alexander McQueen、Sarah Burton均是毕业于伦敦中央圣马丁学院。同门渊源得以延续，着实难得。
传承、创新，这两个反复被提及的关键词，奠定下了我对于这位年轻设计师首秀的期待。
而在上个月发布的品牌全新广告大片中，我们也得以提前感知到 Seán McGirr 的理念。
全新的 logo 来自于品牌创始人 Lee Alexander McQueen 30 多年前的设计。
模特们佩戴的骷髅面罩，也是品牌一大标志性元素。模特们穿梭于凯尔特氛围的古老松林，唤醒空灵神秘的氛围，而她们所着服饰，正是本季即将发布的作品。
传承与个性，在大秀开始前，就已经得到了诠释。
而当我真正落座于秀场内，这份传承革新终于有了实感。
这场大秀，光是透过到场名人们的穿着，你都能得以窥见不少设计灵感。
屈楚萧当天选择了具有品牌标志性骷髅元素的印花夹克，而他所搭配的圆形耳钉和连指戒指均来自本次大秀中即将发布的亮点配饰，可谓恰巧展现了“传承、创新”的大秀精神。
梁精寅则是上身了当天品牌全新发布的时装作品。笔直的垫肩、被束缚住的牛仔裤，传递强大的氛围。
Anna Wintour也出现在了秀场前排，见证品牌的全新起航。
而大秀的布置，同样展现着品牌和设计师意图表达的这份传承和创新。
本次大秀，特别选址在了SEGRO Centre Paris Les Gobelins。
这一地点，本身也自带一份传承、与时俱进。作为巴黎市现在的物流中心，这里曾经其实是一处始于 1930 年的老旧火车站。
其站名也颇有深意，来自于以 Gobelins 家族命名的 Gobelins 大街。这一家族，是以生产挂毯而闻名的。
为此，品牌也特别为所有看秀观众准备了一条带有皮革捆绳的黄绿色毯子来点题。
当大家纷纷披上这条色彩独特的毯子时，又恰与周遭工业感十足的空间形成强烈对比。
这一视觉冲击力，成就本次大秀有关“工业森林”的探讨。
冰冷的工业空间内，一抹跳脱的色彩，形成“工业”和“森林”字面意思上的矛盾感。（至于为什么是这抹酸黄色，我们稍后分析。）
沿着这段铁轨，粗犷与华丽、工业与自然、严谨与狂野，将成为这场大秀可以预见的走向。
同时，这一场地选择也是在致敬 Alexander McQueen 1995 年春夏系列大秀《The Birds》。
彼时的选址，也是在伦敦的一个废弃仓库之中。
这还只是《The Birds》为本场大秀带来的第一个灵感，在后面我们还能看到许多不一样的呈现。
另外，空间中还悬挂大面积垂坠白色材料，呼应场地的工业氛围。这一秀场背景造型，同时也是为了模拟垂坠的降落伞，寓意新生降临。
而降落伞这一元素，也曾被运用于 Alexander McQueen 的设计之中。
秀场音乐中，作为爱尔兰都柏林人的 Seán McGirr 藏进了自己的私心。他大量选择了爱尔兰女歌手 Enya 的作品，意料之外，情理之中。
以 Enya 的《Boadicea》开篇，以其在 1988 年发行的歌曲《Orinoco Flow (Sail Away)》作为结尾。
这位享誉全球的爱尔兰女歌手拥有超过 7000 万的全球唱片销量，更被誉为新纪元音乐代表人物。
模特尚未登场，但在那一刻，我已经知道，这歌声不仅是爱尔兰都柏林人、新任设计师 Seán McGirr 对家乡音乐人的偏爱，也是他和品牌和想要开启 Alexander McQueen 新纪元的决心。
对这场大秀的期待值，也在这一刻达到了顶点。
在 Enya 的音乐作品当中，包裹着的是设计师对于品牌理念的传达和想象。
比如，你可以听见取自阿尔弗雷德·希区柯克 1960 年电影《惊魂记》主题曲中的小提琴连复段，营造出诡谲神秘的氛围。
值得一提的是，Alexander McQueen 1995年春夏系列大秀《The Birds》的灵感也是来自于阿尔弗雷德·希区柯克的惊悚片《The Birds》。
爱尔兰摇滚女歌手 Sinéad O'Connor 的《I Do Not Want What I Haven't Got》，进一步传递了设计师内心的坚定。
Sinéad O'Connor也是一位常年被媒体们评价为“离经叛道”的歌手，拥有姣好面容的她偏留着个光头；荣获格莱美奖时拒绝出席，认为格莱美太过商业；还曾写长文告诫Miley Cyrus...
而 Sinéad O'Connor 于去年 7 月 26 日去世，她的音乐被用于大秀中，也是对这位反叛、严肃的艺术家的纪念。
熟悉的音乐作品，引发一场场回忆。
而让我更为感慨的是，大秀结束时，Seán McGirr 随着《Orinoco Flow (Sail Away)》愉悦的曲调现身，他也面带微笑轻轻哼起了这首自己再熟悉不过的歌。
秀前的一次采访中，设计师曾分享：
“I want to bring a kind of lightness to McQueen.”
这份轻盈愉悦，在那一刻有了具象的、属于设计师本人的表达。
当然，除了秀场选址、装置、音乐对主题的多维度定调，于设计师而言，最直接的表现自然是在时装之中，这亦是我们所有人奔赴此处，最期待、最想要了解的。
这场对比冲突、狂野华丽的大戏，在诡谲的“工业森林”中正式拉开。
从未被遗忘
传承 Lee Alexander McQueen 的灵感
在当下的时尚大环境中，很多渴望年轻化的品牌意图融入街潮元素以顺应市场变化。
完全拥有这方面创作经验的 Seán McGirr 并没有采取这种讨巧的方式去书写他在 Alexander McQueen 的第一页，而是从去年底开始，便一头钻进了对这个品牌精彩过往的研究中。
大秀开始前，官方就曾发布多个品牌经典元素，透露本场大秀的回溯之意。
抛弃不必要的数据归纳和理论分析，回归更纯粹的设计，便能延续传承，迸发不一样的创意。
从第一套造型开始，你便能感知到这一理念。
女模特身穿黑色扭曲层积针织面料垂褶裙亮相，服装材质闪亮如同波光粼粼的水面。她的一只手臂夹在胸前，另一只手臂则夹在裙子里，仿佛被困其中，又好像要从中挣脱出来。
据 Seán McGirr 透露，这个造型也是受到 1995 年春夏系列《The Birds》的启发。
Lee在那场大秀中曾使用了塑料包装膜打造无袖连衣裙：
Seán McGirr也在设计之初使用了透明托盘胶带在一名模特身上进行包裹，完成之后再运用服装面料来呈现，将当年 Lee Alexander McQueen 的理念再次向前推进了一步。
这一压缩包裹的设计手法，在本季中屡屡出现，成为本场大秀中的一大亮点。
另外，在 1995 春夏系列中，Lee也将塑料包装膜运用在了不同的款式上，并与其他面料相互叠加，类似方式在本季中也得以再现。
Seán McGirr的做法是结合了当代艺术家 David Hammons 的油布画作灵感，创作出属于他自己既传承经典又与时俱进的新作。
有压缩的灵感，亦有纵向加长的廓形。
在 look 2中，黑色单排扣精裁大衣几乎齐平了模特的脚踝，搭配黑色长裤，呈现出凌厉飘逸的质感，与 look 1 形成鲜明对比。
不禁让人想到 Lee Alexander McQueen 的毕业设计作品——“Jack The Ripper Stalks His Victims”系列中的一件黑色大衣。
彼时的 Lee 将这件男士传统服饰进行了修改，袖子前半片比后半片略短，让其能够露出衬里的紫罗兰色（这抹色彩在维多利亚时期代表着哀悼），用这样的方式来表达对受害者的哀思。
工艺延续
演绎精裁优良的廓形
不论视觉观感还是上身体验，Alexander McQueen时装带给观众和穿着者的感受离不开“力量感”。
这种“被给予力量”“被支撑起来”的感受，离不开品牌对于廓形持之以恒、一丝不苟的把控。
本季中，你同样能大量发现那些高超的标志性廓形设计。
风衣、西服等外套的肩线，依旧有着夸张、利落的处理，而纵向线条又进一步得到延伸。
在 Alexander McQueen 2023 春夏系列中，拥有精良剪裁的套装，为都市女性带去了锋利而时髦的选择。
与此同时，设计师不忘对这一典型元素加入当下的设计语言，更圆润的线条缔造出对未来主义的想象。
而腰部的捆绑设计则又完成了近乎倒三角结构的标志性外套廓形，带来熟悉且强烈的张力。
这一细节，也被进一步运用在了手腕、脚踝等位置，传递当季压缩、包裹的理念。
而更为夸张、极具雕塑感的设计，则提供了又一种温暖、天然的包裹支撑性。
原色翻羊毛带来柔软细腻的视觉张力，气势十足：
宽领口加上束腰的设计如同一件倒置的抹胸短裙。
在 Alexander McQueen 2009 年秋冬系列中，同样也有类似的造型设计。不过不同于如今我们看见的马海毛材质，当年用到的是羽毛元素。
更有簇绒羊毛拼接立体雕塑的刺绣裙，采用一种创新的装饰手法，将材质嵌入进面料当中，赋予其立体观感和更丰富的细节。
这个独特的造型，其实是设计师从人的身体结构中得到的灵感。
看秀场图或许不太明显，在秀后的 resee 里，我近距离细细看了一下，背后的角度更能感受到这种人体的写实感。
另外，得益于材质和设计手法的特殊性，这件上衣拥抱起来也很有人体接触的温暖感。
造型感独特的手工编织羊毛连帽漏斗领毛衣和多层领口套头毛衣：
以自由的想象力去探寻时装的边界，并寻找与现实中时装剪裁相结合的全新可能。
自我展现
当代的自由狂野和创想
当然，从前辈处习得的灵感并不足以概括整季作品。
作为新任设计师的初亮相，他也将自己的生活加入了进去，而天马行空又制衣技艺卓越的 Alexander McQueen 则是他展现自我最好的舞台。
借由本季主题，他为这片“工业森林”带来了象征自由的动物元素。
无论是豹纹印花：
鸟尾形的后背细节：
还是仿动物皮草的点缀，都展现出挣脱束缚的野性之美。
这也让我想起了 Alexander McQueen 2011 秋冬系列，Sarah Burton也采取类似手法为廓形礼服增添柔和优雅气息。
在设计师的灵感墙上，还有几张有意思的照片能够帮助我们了解这一季以及设计师对生活的热爱。
其中一张照片里，是一部设计师本人的摔碎了的手机。
在大秀后半段的几个 look 中，便就有将碎屏手机作为灵感设计而出的作品。
这一设计在黑色面料上以镭射切割碎屏效果、金属丝线和管珠进行刺绣，呈现出极其写实的视觉效果。
同样也是在 Alexander McQueen 2011 春夏系列中，这份支离破碎的美感曾让人过目不忘，如今再现，彼时的对称性也已变得无序，成为了一种更当代的表达。
颇具金属质感的银色捶打亮片刺绣连衣裙，则让人联想到了 2019 年秋冬系列里的类似设计。
Alexander McQueen 2019年秋冬系列
另一张照片里，是 John Chamberlain 的雕塑汽车，这位艺术家以其利用钢铁碎片进行创作而举世闻名。
设计师的表现手法颇为婉转，他将象征车祸的吊灯碎片、红色、橘色自行车反射灯刺绣布满了整条薄纱裙上，呈现破碎的美感。
另外，钢材也成就了本季大秀最后几个look，带来设计师对于工业生产、未来主义的表达。
而这三个 look 的色彩，同样也是对 John Chamberlain 色彩取向的致敬。
值得一提的是，在色彩方面的运用，本季几乎呈现出了几乎完全相反的两种取向。
一边是沉着隽永的黑白灰棕，一边则是酸绿色、电光蓝和品牌经典的红。
红色作为大秀的点缀色，是对品牌毫无疑问的致敬，在前任设计师们的作品中，这抹红几乎从未缺席。
更亮眼的当属酸绿色。
无论是映衬在白色降落伞布景中，酸绿色毛毯成为乌泱泱人群中的一抹点缀，还是在整场大秀中的跳脱感，都让我立刻想到了 Alexander McQueen 1999 年春夏系列那场惊世骇俗的大秀。
模特 Shalom Harlow 身穿一袭白色伞裙站立于舞台中央，两侧的喷涂机向她身上喷涂的正是黑色和酸绿色两种颜料。
而这场冠以“天鹅之死”的大秀所讨论的，也正是关于人类、工业科技、大自然三者的关系。
粗犷的优雅
藏在配饰里的创作与坚守
这一季的包袋，同样得以延续经典，并放大其中粗犷的细节，带来实用性极强的作品。
同时，包袋上延续了品牌引以为傲的工艺，突出结构感，为包袋带去难以忽视的光泽度，视觉效果利落精准。
大量的包袋也以黑、棕色系为主，适配于各种各样的生活场景，相信能成为时髦精们的高频选择。
最特别的包款，当属下面这一只：
赤裸着上身的模特，身披透明丝绸大衣，拎着一个闪烁着红光的手提包，在发光的 LED 灯的亮光下，你能看到亚历山大·麦昆 (Alexander McQueen) 标志性的骷髅图案，这不仅是回归传统，也是预示未来的风格试金石。
而当看到 Alexander McQueen 配饰的时候，磅礴的眼眶是湿润的，镀银臂环、镀铑手镯、银色金属箭头胸针，这些作品里流淌的，是麦昆的血液——
它们无不沿袭着 Alexander McQueen 的内核——
让时装珠宝和当代人体雕塑合二为一，将科技技术与传统工匠技艺结合，并彰显“摩登、浪漫、永恒”三大精神元素。
开口式手镯、戒指、颈链，那些仿佛被金属取代的“皮肤”，身体和金属的糅合隐喻对混杂性和神秘性的不安迷恋，由此迸发出更加直观的力量感和生命力。
尤其是下面这件臂环，更是让我感动：
它其实并不是本次大秀的新设计，而是来自 Lee 时期，为了这场大秀而专门借过来做搭配用。
身披一身荣光，珍视每片羽翼，继续前进探索。这何尝不是品牌留下的一句告白呢？
而这一切都是源于那个名字——Shaun Leane。
Leane是 Alexander McQueen 秀场上最才华横溢的配饰设计师，也是创始人的旧日好友，他不仅仅是品牌配饰的掌舵者，也是天马行空的珠宝匠人。
在长达 17 年并肩作战的日子里，他们共同创造出那些备受瞩目的、超越传统珠宝期望的、甚至可以说是定义了时装历史佳话的艺术作品。
比如 1998 春夏秀“Untitled”上，男模们佩戴着由 Shaun Leane 手工制作的人类颌骨铝制配饰Mouthpiece。
在创作这款配饰时，Leane研究了两个真实的人类颌骨标本，佩戴者的皮肉仿佛被剥去，只剩下骨骼结构和牙齿，从而呈现人体与金属融为一体的科幻效果。
还有在 1999 秋冬秀场上惊鸿一瞥的线圈胸衣，它是为数不多的刻有麦昆和 Shaun 两个人签名的配饰。
设计灵感汲取东南亚原始部落克扬族女人的项圈。在他们的文化里，长脖子是龙的象征，McQueen赋予了它新的含义，让它成为女性独立生存所需要的盔甲。
与麦昆的合作让 Leane 走出了自己的舒适圈，贝壳、石膏、羽毛、玻璃到皮革和木材，天马行空的材料运用到身体之上成为可穿戴的“盔甲”……
而对于麦昆来说，Leane能准确抓住自己作品的灵魂，他们用新的材料和尺寸来突破界限，把时尚和传统结合在一起，让新生与永恒共存。
如今，时装屋已经洗了无数轮的牌，Leane依然默默地为好友留下的品牌做珠宝，守候着他一手创立的品牌和眼里看到的时装世界——
那个没有边界的疆域，给予着创作者高度的创作自由。
这些年，我们见证着那些光芒万丈的传奇一个个离去，那些极具里程碑意义的时刻好像离我们越来越远，而我们依旧期待着把梦编织成现实的、充满诗意和破坏力的作品。
正如曾经Lee Alexander McQueen、Sarah Burton、 Shaun Leane等将人的喜怒哀乐藏在时装里，他们始终强而有力地支撑起了品牌，并忘情地做着奇异反骨、充满破坏力的艺术。
那是 Alexander McQueen 存在于黄金时代的故事，而如今，我也在这场大秀里看到了许多那个时代的影子。
当然，这不仅是一场致敬，大秀里的创新更是具有时代意义的，从古典浪漫到后现代主义，再迎来对品牌遗产更当代的演绎，让我们看见品牌的转变和新可能。
在面对大胆乖张的创始人、温柔刚毅的前任设计师，Seán McGirr 交出了第一份答卷。是属于他的新篇章，也是属于 Alexander McQueen 的新篇章。
本文图片来自网络，版权归所有者，文字为博主原创。
本期文字助理：J、Quinn