宋朝的绘画，常被称为“宋画”，其代表了中国绘画的极高水准。
宋画的创作主要不是着眼于高山大川的恢宏和博大，而转向了物象本身的内在生命和意蕴。就拿大家熟悉的《清明上河图》来说，表面上来看描绘的是繁荣的街景市容，但背后反映汴京内外的诸多社会问题，甚至有的还跟国家的危机有关，如画家将骆驼队和胡人画在没有任何防卫的城门口，是有警示用意的；南宋宫廷画家李嵩，画过许多表现下层社会生活的风俗画，他把劳动人民的生活作为审美对象来描绘，像在《货郎图》系列中，研究者就发现其中“三百件”“五百件”这样的小字。
在不少藏家看来，印象派是关于光影主题，而从印象派上溯600年，宋代的画家已经成功用绘画表现大气与光影，让人的视觉感受强烈。在这些表现的背后，则是当时画家对于生活的一种反映。著名气象学家竺可桢通过研究相关数据，发现两宋处于寒冷期，常常出现冬天奇寒、春秋寒甚至夏寒等恶劣气候，而在宋画中，我们也常常可以看到李迪的作品中就有《雪树寒禽图》这样的作品，通过这些绘画，我们更可以看出当时人们的生活环境以及画家的心境。
在传统的观点中，中国画重主观、神韵，西洋画重客观、形神兼备。但事实上，宋代画家有一个追求叫——“格物”，这个是宋画的一种精神。比如画鸟，你要去研究鸟身上的羽毛哪些粗，哪些细，哪些硬，哪些软，如何用毛笔去表现出来，去研究画画对象的道理，这个叫“格物”。但同时，宋徽宗又要求宫廷画家绘画时不能死描死背，而要锻炼诗意的想象空间，从更高的层次去理解绘画。后人总结看宋画的方法要“远望其势，近观其质”，站远处去看画总体的气势，近处看画中的细节。
如果说，西方艺术家在绘画作品中对艺术形象的表现，要以形体、结构、比例等的准确，色彩的美丽或和谐，空间的合理等条件作为前提的话，那么中国画除去关注事物表层形态之外，更是要超越物质，进入到一种不受物性束缚的极度自由的状态之中，这是一种人与自然相合为一的境界。
艺术史学家高居翰在《图说中国绘画史》一书中赞叹宋画之美：“在他们的作品中，自然与艺术取得了完美的平衡。他们使用奇异的技巧，以达到恰当的绘画效果，但是他们从不纯以奇技感人；一种古典的自制力掌握了整个表现，不容流于滥情。艺术家好像生平第一次接触到了自然，以惊叹而敬畏的心情来回应自然。他们视界之清新，了解之深厚，是后世无可比拟的。”
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