克里斯蒂娜·夸尔斯
Christina Quarles
生于1985年，是一位驻洛杉矶艺术家，她的创作拆解、质疑了围绕身份与人体形象的假设及固有观念。她生于芝加哥，随母亲成长于洛杉矶，自小就参加艺术课程。洛杉矶艺术高中的课后项目与人体素描的课程为她打下了坚实的绘画基础。她从汉普郡学院获得学士学位，并在2016年获得耶鲁艺术学院的MFA学位。夸尔斯一直迷恋于人体的原因是她的特殊身份。她是一名酷儿（Queer），与自己的女友和猫一起生活。这些扭曲的人体也是对她自身身份的隐喻。通过对身体近乎暴力的表达，夸尔斯试图诠释困居在性别化身体里的不适。
O Holy Nite
2021
Acrylic on canvas
77 x 96 in
艺术家克里斯蒂娜·夸尔斯(Christina Quarles)最为人所知的可能是她那些充满诗意、充满活力的身体和四肢相交的画作。她的实践还包括绘画和数字插图。ARTnews采访了夸尔斯，讲述了她创作复杂的具象作品的过程，她的素描和绘画实践如何融合、分歧和互补，她寻找灵感的来源等等。
Christina Quarles工作室
Christina Quarles专访
Q：能向我们介绍下你的造型方法吗？你是如何发展出身体和四肢交织在一起的独特语言的？
A：我和人物画打交道已经有很长一段时间了——我最早接触的美术课就是人物画。我妈妈是个单身妈妈，我被安排参加各种课外活动。其中一些是烹饪，一些是手工，还有一些是艺术。那些以艺术为基础的作品才是我真正喜欢的。当我12岁的时候，因为产生了一点混乱，我被安排上了一个面向成年人的人物画课，所以课程中会安排一个真正的人体模特。我真的很兴奋，因为我真的很想成为一名严谨的艺术家，而我所知道的所有严谨的艺术家似乎都是画人体创作的人。我研究这种人物画已经有24年了。高中时，我去了洛杉矶的一所艺术高中，当时教我画人物素描的是一位非常有影响力的老师。我的很多作品都源于对素描的熟悉，尤其是人物画。直到今天，只要有可能，我仍然参加人物绘画课程，只是为了画一些真正的人体模特。那张观察性的素描，我用它来建立和维持画人物的肌肉记忆。
New Moon
2021
Acrylic on canvas
84 x 72 in
Q：你创作的这种人物画有动势绘画的成分吗？
A：我用动势绘画的方式处理一切，所以它仍然强调动态的线条。在就读研究生时期，我学会了如何开发使用动态线的工具。所以，这才是真正为我打开绘画大门的地方：一种将以前的线条画变成某种东西的方法，可以是用一把非常宽大的刷子画的线，或者用蘸有渐变的刷子画的线条的方法。但当我画一幅绘画作品的时候，它仍然与绘制人物的肌肉记忆密切相关，所以当我去看这幅作品时，我会用很多内化的练习来接近画布，但没有实际的笔记草稿。所以，我会内化人物画和我在去工作室的路上看到的一些疯狂的植物，以及所有这些东西。但当我来到工作室时，这真的是一种身体的、抽象的符号制作，然后我打断了这个过程，不再是我所看到的纯粹的身体表现，而是退一步，观察我的绘画，真正看到发生了什么。我试着挑战自己，把这些形式连接成一个图形或一个构图，也许我没有打算用那个身体符号。
A Little Fall of Rain
2020
Acrylic on canvas
72 x 84 in
Pried/Prayed (Hard Rain Gon' Come)
2020
Acrylic on canvas
77 x 96 in
随着数字化越来越得以发展，之后我也尝试拍摄作品将其放入电脑中，用Illustrator进行再创作。对我来说，这是一种在意图和现实之间结合绘画和实验的方式。它将手势变成了鼠标触控板的一个更微小的图形手势，而不是这种盛大的身体动势。它允许我创建这些数字化的动作，并通过模板将其带回画布，这允许一个真正与我的身体无关的动势，因此这是一种将动势融入作品的方式。我认为数字化的方式对我来说是一个有用的工具，因为我非常了解它，我可以利用它的局限性和可读性，因为我非常熟悉它实际上应该是什么样子。
For Sorrow or Inspiration
2020
Acrylic on canvas
72 x 60 in
Q：你在这些作品中传达的一些基本思想和主题是什么？
A：我有兴趣用这个形体来探讨我们的这些身份点，或者哪些了解或不了解自己的点。但我对看某一个人不太感兴趣，我更感兴趣的是描绘自己身体内部的样子，通过这种向外看的方式体验世界和自己。所以，这些人物是一种将观众固定在这种物质性，重量或失重，或舒适或不舒服的感觉上的方式。它不是指代一个真实的、特定的身体。我感兴趣的很多主题是，当你在身体里，在了解自己的方式上处于劣势时，你会发生的那种分裂，因为你知道你所有的矛盾，所有你超越或不太符合我们所处的这些特定类别的身份的方式。然而，我们经历了一个由其他人组成的世界，他们是这些有凝聚力的人物。
Bits n' Pieces
2019
Acrylic on canvas
72 x 60 in
Laid Down Beside Yew
2019
Acrylic on canvas
84 x 96 in
我们知道自己是一堆支离破碎的肢体，这种代码转换发生在我们的一生和日常生活中。很多创作都试图利用这种自我体验，然后，对我来说，这是关于将其与作为一个多种族、一半是黑人但也一半是白人、被白人清楚地视为白人的人，在一个种族化的身体里的感受相重叠。所以，我的种族身份的矛盾不仅仅是通过我的外表来概括的，而且我的经历往往与我的外表相矛盾……这项创作的基础是试图了解在一个种族化的身体里是什么，在一个性别化的身体上是什么，是在一个酷儿的身体里，真的是在任何身体里，以及了解自己的困惑所在。
By Tha Skin of Our Tooth
2019
Acrylic on canvas
77 x 96 in
Q：你的作品通常包含如此多的颜色和图案，你是如何想出这些构图的?你希望通过这些组合达到怎样的目的?
A：构图是在我完成这幅画的过程中决定的，而不是事先决定的。它总是回应我作为观众对作品感兴趣的东西，这是制作的过程，然后退后一步看作品。当它在电脑里成为一个作品的时候，我就会更多地摆弄图案和面。我一直在寻找一种方法，将人物与具有多个位置的东西联系起来，我发现的这些模式是在作品中出现视觉双关语的一种方式。这是为了强调自我的感觉，它可能是多重的，或者从一个环境中获得定义，但当你在不同的环境中思考它时，它的构成就变得复杂了。
I Just Missed Yew
2019
Acrylic on canvas
77 x 96 in
Tha Nite Could Last Ferever
2020
Acrylic on canvas
84 x 72 in
在读研的时候，我在画布上写了很多东西，我喜欢这种语言在某种程度上做到这一点。正是这种视觉上非常平面的元素暗示了一些没有被视觉表现出来的东西。在我的绘画和标题中，我对文字保持着这种兴趣，但在绘画中，我发现——只是因为我们对图像的阅读方式有这种层次结构，我认为，这是对语言的优先对待——它与人物和构图有太多的直接联系，而且它太具体了。当我把语言拿出来的时候，模式就开始出现了。我认为这些图案具有相同的功能：你可以有一个重复的花朵图案，它可以是你很快就能联系起来并理解的东西，但你花的时间越长，它的双关语就越多。它是一条毯子还是一片鲜花?它是有尺寸的东西还是像桌面一样平坦的东西?
Bless tha Nightn'gale
2019
Acrylic on canvas
77 x 90 in
Held Fast and Let Go Likewise
2020
Acrylic on canvas
86 x 130 in
[构成图案]是将人物固定在多个位置的一种方式，这些位置也可以切入人物。他们被安置了，但也被转移了。因此，我认为这种组合方式强调了在你看待自己的方式中存在某些身份交叉点的感觉。这些东西给了你背景和意义，给了你场所和社区，但也给了你一种存在感的碎片，这些东西实际上包含了你所有疯狂的矛盾。
And We Do Go On
2019
Ink on Paper
13 x 19 in
Too Blesst To Be Stresst
2019
Ink on Paper
13 x 19 in
Q：然而，你的素描作品中仍然经常包含一些单词和短语。你是如何想出这些文本元素的?
A：这真的与我挑选图案的方式类似，图案和文字是如此相关。在图案的情况下，它往往是我在现实生活中看到的东西，在文本的情况下，是我无意中听到的东西。它通常来自平凡的日常遭遇。就语言而言，它属于大众文化领域，我喜欢这种观点，即事物是对复制品的复制品，或者是从高雅文化开始的东西，然后被复制，复制，再复制，直到突然进入大众文化，流行文化。我寻找任何文本，从流行音乐到电视到广告，到我正在阅读的理论或小说，或者诗歌。我通常会尝试在文本中使用语音拼写，以使作品中可能出现的双关语更加复杂。
All Yull Need
2019
Ink on Paper
13 x 19 in
We Need Yew Now / Yew Need Ta Know
2019
Ink on Paper
13 x 19 in
Q：这些素描和你的画有何不同？
A：我发现素描练习是一个我可以真正探索文本的地方，无论是素描还是绘画，文本往往会进入作品的标题。我认为素描是一种有趣的媒介，文本对我来说仍然有效，因为用笔写作在物质上并不奇怪。我甚至不注入颜色、纹理或层次作斗争。这真的是因为我在纸上用笔，这是一个非常平面的添加过程，只是黑线。它更多地利用积极和消极的空间，这只是一个我可以快速思考想法的地方。我的素描是一种思考的练习。
Collapsed Time
Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany
Christina Quarles
Frye Art Museum, Seattle, WA
Q：你谈到倾向于从日常生活中汲取灵感。有没有哪位艺术家或艺术运动对你的作品有特别的影响?
A：我在洛杉矶长大，离洛杉矶县艺术博物馆很近。自从上世纪90年代初我还是个孩子的时候开始，那里已经发生了很大的变化，但我发现那是一个很好的资源，可以一直去那个博物馆——我喜欢20世纪的“艺术之翼”。我一直很喜欢那幅霍克尼的以他开车去画室的路为题材的绘画。我还是个孩子的时候就爱上了这件作品，不管城里有什么展览，我总会在路过时候去看看这幅画。我小时候也去过盖蒂别墅(Getty Villa)，那是一个仿照意大利别墅风格的地方，里面有壁画和非常古典的人体描绘和错视画元素——所有这些都吸引了我的注意力，也是我在绘画中继续思考的东西。
Sumday (We Gunna Rest on) Sunday
2019
Acrylic on canvas
72 x 96 in
在我的生活中，我受到了非绘画艺术的启发。我想，当我看一幅画的时候，我往往会真正锁定它是如何制作的。我很好奇，因为我在画画……我认为这不是体验艺术作品的最佳方式，因为这样你就有点分离出不同的元素。我认为最好是遇到一整件作品，并有机地完成它。我发现我可以用与我不同的创作来做更多的事情。我一直对阿德里安·派珀(Adrian Piper）、格伦・利根(Glenn Ligon)或像莱斯利·休伊特(Leslie Hewitt)这样从事摄影的人的作品很感兴趣。我发现（他们的）想法是我真正联系在一起的东西，然后它的形式与我的非常不同，我能够真正将其作为一种艺术对象来欣赏，而不仅仅是试图区分它是如何制作的。
Christina Quarles工作室一角
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