1. 肖邦《冬风练习曲》
冬风练习曲，作品25-11（Op.25 No.11）是肖邦练习曲中技巧最艰深篇幅最大的音乐会练习曲之一。它的训练课题是手指触键的灵敏，快速和准确，与此同时，由于篇幅大，因此对手指快速跑动中的耐力也是一大考验。
在演奏中右手持续弹奏快速的高难度音群，左手走旋律，彪罗对此曲评介：“在你能想象的范围内展现着最丰富的音。”有人觉得这些快速的音群像是冬天的狂风将枯叶卷起，而枯叶在空中舞动的景象，故命名为《冬风》，又名《枯叶》。属于《肖邦练习曲》中难度较大的。
2. 贝多芬《月光》第三乐章
《月光奏鸣曲》——原名《升C小调钢琴奏鸣曲》，作品27/2，是路德维希·范·贝多芬于1802年创作的独奏钢琴作品， 这首钢琴奏鸣曲是贝多芬最著名的作品之一。又名《月光奏鸣曲》，贝多芬创作于1801年，那年他三十一岁。
这是一首似幻想而非幻想的奏鸣曲，尤以第三章出彩，使人仿若在火热激情与深刻沉思中轮转。此乐章是贝多芬钢琴曲中情绪表达最激昂雄厚的乐章，因此演奏此乐章极其需要指尖的强大力度，有“一触即发”之感。
贝多芬曾指示《月光》奏鸣曲的乐章之间要紧接不要有停顿，这样才能从开始乐章以暗示性的方式逐渐展开，进入到错综复杂的终乐章，而得以提供一种凝聚高潮的感觉。贝多芬这一时期的奏鸣曲充满了尝试性的作法，他企图重新评价奏鸣曲式主要的创作原理。一般来说，如要遵循传统的格局，奏鸣曲式往往只出现在一个乐章里，而通常在第一乐章，但贝多芬打破了这种模式，《月光》奏鸣曲是古典乐派开始朝浪漫乐派转变的作品之一。
3. 贝多芬《悲怆第一乐章》
这是达到了贝多芬早期钢琴奏鸣曲之顶峰的杰作，也是因其戏剧性的优美旋律而为世人所熟悉的作品。“悲怆”的谱子的开始处只记着Grave——庄板，音乐中更多的是英雄气概而非“悲怆”。本曲无论在内容、旋律和结构等诸多方面，都渗透着一种日耳曼民族特有的理性，这也是贝多芬等德国音乐家共有的特质。本曲的演奏技巧并不算很难攻破，因此被演奏的机会也非常之多，更是许多钢琴家爱不释手的曲目。
1801年，贝多芬在给韦该勒的信上写道：“我过着一种悲惨的生活。两年以来我躲避着一切交际，因为我不可能与人说话：我聋了。要是我干着别的职业，也许还可以，但在我的行当里，这是可怕的遭遇啊。我的敌人们又将怎么说，他们的数目又是相当可观！……在戏院里，我得坐在贴近乐队的地方，才能懂得演员的说话。……人家柔和地说话时，我勉强听到一些，人家高声叫喊时，我简直痛苦难忍……我时常诅咒我的生命……普卢塔克教我学习隐忍。我却愿和我的命运挑战，只要可能；但有些时候，我竟是上帝最可怜的造物……隐忍！多伤心的避难所！然而这是我唯一的出路。”
4. 肖邦《革命练习曲》
这首练习曲，是表现肖邦对华沙革命失败的内心感受。因此，被后人命名为《革命》练习曲。1830年11月，正当肖邦离开祖国不到一个月的时候，爆发了震动波兰的华沙革命。肖邦得知起义的消息之后，心情非常激动。他恨不得马上起程回国，和祖国的人民一起参加战斗。正如他在给朋友的信中所说“……为什么我不能和你们在一起，为什么我不能当一名鼓手！！！”
1831年9月，坚持了十个月的华沙革命，终于被沙俄军队血腥镇压。当时，肖邦正在赴西欧的途中。噩耗传来时，他几乎到来疯狂的地步。他在日记中写道：“啊！上帝，你还在么？你存在，却不给他们以报应！莫斯科的罪行你认为还不够么？或者你自己就是一个莫斯科鬼子！……我在这里赤手空拳，丝毫不能出力，只是唉声叹气，在钢琴上吐露我的痛苦。”肖邦把自己全部的感情都灌注在音乐中，写出了这首著名的练习曲.这是一首单一形象的音乐作品。
肖邦把自己全部的感情都灌注在音乐中，写出了这首著名的练习曲.这是一首单一形象的音乐作品。全曲自始至终贯穿在愤怒激越和悲痛欲绝的情绪之中。整个音乐形象是通过左手奔腾的音流和右手刚毅的曲调向结合体现出来的。这首作品虽然前后连贯，一气呵成，但仍然有着许多细微的变化。练习曲从不协调的属九和弦开始，引出了一连串汹涌澎湃的十六分音符。音乐出现得十分突然，因此，给人的印象十分强烈。它好像是肖邦内心感情的总爆发接着，左右手同时并进，两道音流奔腾不羁，犹如千军万马、浩浩荡荡。突然间高音部出现了一个刚毅的曲调，它清澈、明亮，好像是冲锋陷阵的角号。这段音乐除了表现肖邦内心的愤慨和焦虑之外，还包含着坚定不移的信念。它仿佛是愤怒中的抗争，痛苦中的挣扎。音乐在展开中，越来越趋向紧张，一系列的转调和变化音把全曲推向高潮。练习曲的高潮处是一个胜利凯旋的形象，它仿佛是在严峻的现实面前的片刻幻想，但又不是诗情画意的遐想，而是对华沙起义爆发一瞬间的回忆。在接近结尾的时候，音乐由强到弱，出现了一个悲伤的音调。它象哭泣，悲悲切切；又象诉说，发自肺腑。然而它的背景仍然是起伏汹涌的澜涛。这肺腑是肖邦对整个命运的哀哭。乐曲的结尾又回复到自豪、刚毅的形象。音乐在很强的力度下，从高音向低音冲击，并且左、右手八度同奏，气势逼人。最后，在特强的力度下，奏出了大调的主和弦，它象征着肖邦内心的满腔仇恨和对革命胜利的信念。
5. 肖邦《第二号谐谑曲》
萧邦四首谐谑曲中最著名的一首。也是唯一具有谐谑性质的谐谑曲。这部作品，无论是在曲式的结构安排上，还是在创作技术手段上，以及作品所融入的思想意识等方面都为后世树立了榜样。
罗伯特·舒曼（Robert Schumann）将此杰作与拜伦诗作了比较，“充满了温柔、大胆、爱与蔑视”。谐谑曲的引子，是两个不协和弦，好象一声悲壮激昂的仰天长啸。第一部分用一个向上冲击的音调作为主题核心。
谐谑曲其主要特点是速度轻快，节奏活跃而明确，常出现突发的强弱对比，带有舞曲性与戏剧性的特征。它常在交响曲等套曲中作为第三乐章出现，以取代宫廷风格的小步舞曲。“谐谑”是指用音乐来表现诙谐，幽默的情趣。
从肖邦开始，谐谑曲被用作独立的器乐曲。肖邦所作四首谐谑曲也象贝多芬的作品一样富于戏剧性，而且类似一种浪漫主义的音诗。
6. 贝多芬 《暴风雨》第一乐章
《暴风雨》是莎士比亚晚年（1611年）创作的最后一部作品，被称为是莎士比亚用诗写成的遗嘱，他在《暴风雨》中表达了热爱生活、崇尚理想的良好意愿。同时，贝多芬在创作《暴风雨奏鸣曲》时，正是他听觉衰退、精神危机的时刻，他在几个月后写的“海里根士脱遗嘱”中说自己“六年以来我的身体何等恶劣……可是我不能对人说：‘大声些，我是聋子’……这感官在我是应该特别比别人优越……我不致自杀是因为艺术留住了我。在我尚未把我感到的使命全部完成之前，我觉得不能离开这个世界。”
莎士比亚在《暴风雨》中塑造的主人公也是与坎坷命运作不屈斗争的，贝多芬自己的命运与之产生共鸣，所以他能创作如此伟大的《暴风雨奏鸣曲》。
7. 肖邦《波兰舞曲》
肖邦的创作灵感源于自己和祖国悲剧性的经历，《降A大调波兰舞曲》是与波兰民族解放斗争相联系的英雄性作品。据说此曲奔马节奏写成的对比性中段，描写了1683年英勇抗击入侵者的波兰国王约翰．勃比埃斯基的骑兵队。该骑兵队曾击败横行欧洲的土耳其人，保卫了祖国，也拯救了欧洲。故又称《骠骑兵波兰舞曲》。又据说：肖邦在作此曲时，由於倾注了他的全部爱国激情和对波兰历史的无限缅怀，竟仿佛听到了波兰先辈们的脚步声，眼前出现了他们全副武装地愈走愈近的幻影，吓得肖邦逃离自己的创作室。由此可见，这首乐曲是具有鲜明的形象和强烈的感染力的。 《A大调军队波兰舞曲》，斩钉截铁的节奏，朝气勃勃的音调，表现出这支军队威武雄壮的阵容、勇敢坚定的品格。
8. 李斯特《钟》
据记载，1831年3月李斯特在巴黎听了帕格尼尼的音乐会之后，对他精湛高超的创作和演奏技艺惊叹不已，决心要成为钢琴上的帕格尼尼。第三年他创作了全名为《依据帕格尼尼的“钟”而作的华丽的大幻想曲》。《钟》即以此曲为基础而写成。乐曲基本上采用三段体曲式。由于运用了多次主题变化和反复，因此也具有变奏曲和回旋曲的特点。乐曲一开始，经过简练的前奏，很快在高潮音区出现了“钟的主题”钢琴高音区清脆悦耳的音色和泛音奏法形成短促有力的音响，组成了一连串生动逼真的小钟的鸣响。由于钢琴高音区的音色比小提琴更易于模仿钟声，因此钟声的效果更加明显。接下来的主题继续用钢琴高音区的音色特点，奏出了不同节奏的钟声。这两个主题交替变奏形成了高难度的辉煌华丽的段落。最后乐曲运用舞曲的体裁特点，在热烈欢快的歌舞气氛中结束。演奏时间约4分钟。
9. 李斯特 《匈牙利狂想曲第六号》
“狂想曲”这一词来源于一段古希腊诗rhapsdia，狂想曲通常取材于民族民间音乐或一些流行于民间的旋律。19世纪以来，狂想曲作为一种音乐体裁，时常用来描写一些具有英雄气概、鲜明民族特色、史诗般的器乐作品。其中第二号（升c小调）、第六号（降D大调）、第十一号（a小调）和第十五号（a小调，又名《拉科奇进行曲》）流传最为广泛。
约完成于1845-1850年间。此曲由四部分组成。第一部分象雄壮的进行曲，堂皇而又崇高。第二部分飞快、短小、舞蹈性的节奏。第三部分类似散板，宣叙调的风格，有如民间游吟诗人的吟唱，诉说往事。第四部分又是狂欢般的民间舞蹈，它的主题一听就觉耳熟，这个主题经过一系列变奏，达到狂热后结束全曲。
10. 肖邦《黑键练习曲》
该曲是因为右手大部分的音符走向都在黑键上进行而得名，其一达到了针对性技巧训练的目的，其二一组五个黑键的音阶走向也呼应了中国的五声调式——注重横向旋律的优美性，达到了这首曲子艺术色彩的融入。正是二者的完美融合，使这首练习曲成为具有全面内容和形式的音乐会练习曲;让更多的演奏者通过这首曲子的练习达到艺术性和技巧性的双重提高，从而也间接提高了其知名度，更频繁的出现在音乐会的演奏现场。独具特色的灵动旋律和具有明确训练目的的技巧练习是该曲最具尝试性的创作手法。由左手担当主题和旋律的表达，配合右手连续跑动的特定音型，好似对灵动旋律的相伴扶持。大部分黑键音的快速变换，采用具有五声调式特色的音型走向，使这首练习曲优美流畅。较之枯燥传统的练习曲，演奏者练习起来更能沉浸其中，对该练习曲本身的音乐灵动性有更深的理解。