提起热爱中国的法国艺术家，不能不提雷米·艾融（Remy Aron）先生。他曾多次到中国，任中国国家画院外籍研究员；在北京、上海、广州等城市举办大型巡回艺术展，为中法文化交流作出了卓越贡献。
雷米·艾融，1952年4月16日生于法国法兰西岛地区的苏雷斯尼市（Suresnes）；1972年毕业于巴黎国立美术学院；是巴黎美院的教授，法国造型艺术协会主席，法国文化艺术骑士荣誉获得者。他的作品无论是静物写生，还是略带抽象意识的风景画，都为我们营造了一种诗意的氛围。在疫情的影响下，他依然保持了乐观的心态，坚持艺术创作，我们有幸在巴黎与他进行了一次对话。
艺术客×雷米·艾融
在这次对话中，让我印象颇深的，是这位艺术家对传统绘画技术的坚持。这种坚持并非是守旧，如今，当代艺术发展逐渐趋向自由化，大胆颠覆传统化。一些艺术家渐渐忘记了传统，甚至一些没有基础功底的人也开始创作。
纵观可以在艺术史上留名的当代艺术作品，比如，欧洲二战后崛起的抒情派抽象主义 （abstraction lyric），皮埃尔·苏拉吉 （Pierre Soulages）、乔治·马修 （Georges Mathieu）等都是掌握了纯熟的绘画技巧才开始抒情抽象主义绘画创作的，可见基本功的重要性。绘画艺术自由的是精神和创作灵感，但它必须遵守一些美学原则和技巧，创新并不代表要完全打破传统，而是用当代精神来继承创新并突破传统。
《灰色空间 Espace gris》布面油画，163×113cm
“我惊奇的是，有很多中国年轻人来画廊看展”
艺术客：去年您在北京举办了第二次个展，这是一件很难得的事情，因为对于很多艺术家来说，去年的疫情或多或少对他们造成了影响，可以谈谈去年的生活安排和您对这次全球化事件的思考么？
艾融：关于这个话题我可以说很多，首先，这个疫情不光对于艺术家，对于整个世间都有影响。像您说的那样，我在北京798的画廊举办了第二次个人画展，这个展是我的朋友、艺术商人丁咪咪女士举办的。这个画廊非常热闹，吸引了很多年轻人来参观。
前年，我第一次与这个画廊合作，使我惊奇的是，有许多年轻的中国人、年轻的北京人来画廊看展。对于我们这些西方人来说很不可思议，也颠覆了我们对中国年轻人的认知，他们对绘画艺术有强烈的参与感，对绘画艺术很热爱。当然，我去年第二次的展览，由于疫情原因，没有第一次那么热闹，但是也非常成功，也有不少年轻人，还算是乐观。对于办展，我依然可以寄我的新作品去中国，在北京展览。
去年这个疫情，对于艺术家来讲很特别，因为我们是习惯隔离的，隔离在一个画室里进行独立创作。但我和我太太在疫情期间去了乡下，巴黎附近的乡村。我们度过了一个美好的春天，在欧洲很久没有那么美好的春天。有一种安静的、沉默的自然美，即使有这个病毒的威胁。我们不能想像这场意外灾难使人类停下了脚步，好像一个科幻电影。之前没有人想过我们可以停下脚步。只要我们想做，一切都是可能的。所以我要说，这个时期对于我们这些画家来说非常特别。我们可以更加集中精神创作，表现出自我内在最真实的精神和意识。
《灰色的画室 L'atelier gris》布面油画，116×89cm
“绘画对我而言，是一种动态的并在寻找宁静的艺术”
艺术客：疫情是否对您的创作产生了新的影响？
艾融：我感觉我可以更加集中精神在我的创作过程中，在这种安静的氛围里，我完全可以沉浸在自我的内心世界里，我更加肯定自己要如何创作。
艺术客：您的作品可以感受一种您和生活之间的对话，在您的一些作品中，时间好像被定格了或放慢了。而在如今这个信息化的时代，您是如何在快节奏的生活中放慢脚步去创作的？又是什么原因让您坚持对静物、风景等进行创作的？
艾融：生活中有自然的距离、水平的距离，这种距离是交流的场景、生活的场景、一切运动的场景。而绘画中的时间是一种集合动态的创作，但它同时又在寻找一种宁静，时间就暂时静止了。绘画对我而言，是一种动态的并在寻找宁静的艺术。我所画的静物写生和风景都不是绝对具体的物品，它们都是我绘画的媒介。绘画不是呈现周围的具体事物，而是表现了一种画家精神上同现实的联系。
艺术客：对您来说，抽象和具象的作品有什么不一样的理解？
艾融：对我来讲，没有严格意义上的区别，这不应是对绘画类型分类的一个定义，而是一种对空间和组合的感知。因为绘画多少都有些抽象化的呈现，举例来说，我们来看中国著名画家齐白石、吴冠中的画，都有些抽象的精神在他们的画里。所以说是其抽象的精神成就了伟大的作品，而并非它的写实。简单来说，绘画都是艺术家融合了自我的欲望、情感，是最真实的表达。
《温州写生5 Paysage Wenzhou/Nanxi》布面油画，65×46cm
“绘画艺术的未来在中国，中国可以作为21世纪绘画艺术的文艺复兴地”
艺术客：是什么机缘让您和中国产生了连接？又是什么让您决定与中方长期合作？
艾融：起初是应中国艺术家协会的邀请去参加在北京举行的艺术博览会。两天时间里，我就对中国一见钟情了。在我年轻的时候，在接触日本文化时了解过一些中国文化；来到中国以后，明白了绘画艺术的未来在中国，中国可以作为21世纪绘画艺术的文艺复兴地。后来多次往返中国，我依然保留着第一次来中国时的美好印象。
我和中国艺术家协会保持着良好的关系，我是中国国家画院的特邀研究员，主要针对油画的方向。我看到了中国人对绘画艺术的热情，举例来讲，我曾经遇到热爱绘画艺术的商人，他在公司附近的一间工作室练习绘画。即使我一点儿中文也不会，由于绘画艺术，我也结识了许多志同道合的朋友。中国的艺术组织，从艺术学院到博物馆、画廊，都非常出色，这些都为文化艺术创作提供了很好的环境。中国是世界经济发展迅速的国家，对于艺术家、艺术学院的学生，都提供了不同层面的帮助。
纵观历史，伟大的绘画艺术潮流，都是在一个社会政治文化经济发展、繁荣稳定的条件下，比如意大利文艺复兴时期。我非常喜欢法国著名作家安德烈·纪德曾说过的一句话，“艺术出生于束缚，生活在斗争，死于自由。”我对这句话的理解是，绘画艺术是有束缚的，它只能在有限的空间里进行创作，比如一个限定尺寸的画布或者纸。而且，绘画艺术不是一件容易的事，我们一直要与其中的困难做斗争，比如光线、色彩、造型、技巧呈现的效果等，需要学习并掌握它的技术，需要自我反复实践练习，就像舞蹈家，每天要练好几个小时基本功，绘画艺术也是一样。如果我们离开了画布，没有技巧，即便自由了，也就什么都没有了，它就死了。
绘画是一场需要精神集中的斗争，它不是自由的。中国艺术学院的教育制度和组织是非常出色的，是我认为世界上最出色的教育体系，比法国的艺术学院的教学要出色很多。它注重一切绘画基础的培养，素描、临摹名家作品，只有这样，我们才能学习绘画，法国现在几乎没有了。现在法国的艺术学院，特别是巴黎艺术学院，他们在学生没有足够技术的情况下，让学生展现自己的个性，忽略了对传统的传承。这是一件十分荒唐的事情，像一些美国的荒唐的当代艺术，没有绘画技术，没有美学基础，没有艺术和传统绘画的根。画家可以自由创作，自由表达艺术理念，但必须要有它的根。
艺术客：您是否会与您的藏家进行直接对话？您愿意分享您和藏家之间有意思的故事吗？您是否从观众那里得到一些令你印象深刻的反馈？
艾融：我在中国举办过多次展览，所以我有一些中国的收藏家。其中有些特别热情的藏家，也成为了我的朋友。我有个女性收藏家，她还专门写关于艺术的博客。她说艺术是她生活中最至关重要的，是她生命中的激情。我们虽然语言不相通，但从这样的收藏家我感受到一种乐观的，温暖的交流在绘画爱好者之间。在中国有种热烈的激情在艺术爱好者身上，他们试着去探索，去深度理解艺术创作理念。
《站在画室里 Debout dans l'atelier》布面油画，200×100cm
“中国的传统精神比较适应现代社会，因为中国的传统精神比较适应生态学”
艺术客：您认为您的中国收藏家与西方收藏家有什么不同？
艾融：中国和西方的藏家多少都有些投机性。西方的藏家比较务实，在欣赏的同时，他们大多把藏品作为家中的装饰；中国的藏家可能是因为中国的传统等原因，他们欣赏一幅画，不是仅仅把它挂在墙上，而是把它小心珍藏，然后自己静下心来，花时间来观赏，体会它的意境。
艺术客：您是否愿意分享一下您的创作过程？例如您是否会在某种特定的时间，特定的地点产生想创作的想法？
艾融：我的创作都是配合着情境的。我的创作都是以自然为主题，静物、风景等等，是我比较个人化的表达方法。近两年，我在绘画中探索的一个疑问是世界的深度。我记得塞尚曾经建议青年画家，要有深度的创作。而这种对世界的深度感知，使我找到一个我想要停留的世界，我可以去探索色彩的饱和度、光影、组织构图等等。这个世界并非是具象的，要描述一些东西。我在创作中往往开始于一个小小动作，或者说是从一个点，接着把它的色彩、形状等相组合，我试着呈现出一种前进或者后退的运动感，静物之间可以对话。这些素描、绘画的经验、色彩，都是非常有趣的冒险。创作不易，时常会有抑郁的时候，因为不是每次都有自己满意的成果。
艺术客：您认为西方艺术家是否对中国文化拥有某种“共同记忆”？而这种共识会让西方艺术家创作关于中国文化的作品时，表现出一种潜在的联系？您如何看待这一系列作品？
艾融：关于这个问题我想说的是，巴黎虽然有过几个很棒的展览，但远远不够。不幸的是，中国画在西方大多是由于仿制品被人们认识。中国画大多是水墨画，而我们从来不注意这些仿制品，这样的观赏效果很不好，因为我们去掉了它的许多颜色的深浅层次。这就让西方人无法对中国画产生良好的印象。我认为这是一个西方人对中国画、中国文化艺术缺乏认知的原因。从绘画创作上来讲，西方的画与中国画是有联系的，在中国画里，有光的运动、空间的运动，就很像西方的古代画。
艺术客：在创作方式等方面，是否有与您截然不同的艺术家是您所欣赏的？并且带来您对艺术的新思考？
艾融：在我的一生中，我都会欣赏一些和自己完全不同的艺术家，当代艺术、过去的艺术都有。我都会尝试着理解他们，幸好有这些截然不同的艺术家，幸好我们都不一样，这些才是艺术最宝贵的财产。我们绘画的创作形式不同，个性不同，我们喜欢一位艺术家是由于不同的理由。绘画艺术要尊重一些基础的技巧，在它以外就要保持一种开放的心态。
艺术客：在这个时代，您认为以油画作为媒介的艺术家面临的挑战是什么？对此您是否有应对的方法？
艾融：我认为油画还是非常有未来的。因为它可以传达现实我们不能用语言描绘的事物，是照片和影像都无法传达的，是一种人性的阐释。而对我而言的挑战是画中人性的表达。我创作，因为创作是我的生活，是我与世界的联系。
艺术客：在如今全球化的背景下，同时您因为工作时常穿梭于中法两国之间，这样的经验是否能让您感受到中西方文化之间还存在着明显的边界？您怎样看待这样的边界？如何看待未来的发展？
艾融：从绘画的角度来看，我没有觉得有明显的边界。我觉得中国的艺术家都处于一个很好的状态下。您知道西方画家很多丢了自己的传统。从传统来看，有中国传统文明，西方我们有地中海文明，这两种传统文明带来的影响是非常不同的，所以艺术是不同的。我认为中国的传统精神比较适应现代社会，因为中国的传统精神比较适应生态学，因为它以自然为中心，而在西方，是人占据了它的位置，人类要在自然现象中有所节制，现在我们要做的是给予自然更多的尊重。
《温州写生1 Paysage Wenzhou/Nanxi》布面油画，59×59cm
《勒夫家客厅里的窗 La fenêtre du salon à Neauphle》布面油画，193×96cm
结语
“如果真的有第二次绘画艺术的文艺复兴，我想那将是在中国。”艾融先生的这句话时时萦绕在耳边。确实，中国的艺术教育制度是完整的，为培养艺术家打下了牢固的基础。而中国的艺术市场也在逐渐完善，趋于国际化，给了世界艺术家一个良好的展示平台，各国艺术家在中国来来往往，各个流派、画风，百花齐放，也许全球化的文艺复兴在中国也不会太远。
撰文：然然
图片：由ICI LABAS 艺栈提供
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