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张际才:为什么现代人要画现代山水画?

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珠江书画 2020-12-02 16:50

以下文字由子语根据录音整理自张际才中国写意山水画训练营导师教学语录。

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张际才中国写意山水画训练营第三期现场

一、为什么现代人要画现代山水画?

艺术创作虽然本是艺术家的个人行为,抒发个人的情感,但当艺术家把作品放在社会上接受观众评价时,它就有了社会属性,你就不能太放飞自我,“自以为是”,就要尊重大众普遍的审美趣味。

绘画也是这样,你画的作品终究是要拿出来给人看的,不管是给当代人看,还是给未来的人看,总之不是给古人看的,所以现代人画画,一定要有现代感。

中国山水画尤其如此。

很多初学山水画者,从临摹古画或芥子园山水画谱开始,这个本来没有什么大问题,问题是中国古典山水画那套笔墨语言体系太强大了,如果你从临摹古画开始,一旦你进入这个体系之后,就很难走出来,画来画去仍是在走古人的路子,而古画是与现代社会的审美情趣越走越远的。

要说复古仿古,清初四王已经达到了顶峰,“四王”之后,再也没有画家因为“复古仿古”而自成一派的,说明中国古典山水画已经发展到了极致,近现代中国画家已经意识到了这个问题,开始另辟蹊径,变革求新,从徐悲鸿提倡的“中国画改良论”,到早期岭南派提倡的“中西融通”、到建国后倡导的“新国画运动”,莫不如此。简单来说,近现代以来,没有哪位画家是因为画古画画得好而成名成家的,因为你画得再像也画不过古人,超越不了古人。

现在中国山水有一派为什么总是喜欢画残山剩水,画死山、假山、秃山、火烧山,毫无气势,死气沉沉,没有美感?一是受古典文人山水影响,没有走出古人的体系藩篱;二是在古典的基础上跟风学黄宾虹,而中国只有一个黄宾虹,他的山水其实是不可学的,你画不出“厚重华滋”,就很容易把青山绿水画成毫无生气的穷山恶水。

中国山水画技法繁复多样,对山水画初学者来说,入什么门、学什么样非常重要,同样的“皴、擦、点、染”,同样的笔墨技法,为什么有的人画出来的是古典山水,有的人画出来的是现代山水?就是因为创作理念不同,审美观不同,路径不同,技法的运用不同。

正如石涛所言“笔墨当随时代”,我想大概就是这个意思吧。

张际才 《峡江烟雨》 2020年 68x68cm

二、写意山水画是“写”出来的,但这个“写”需要一个实践的过程,不可能一蹴而就。

写意精神是中国画的内核,我们说中国山水画的写意,其实有二层意思。

一是抒发真性情,抒发对美好生活的热爱、对大自然的神往,抒胸中悠然之气,抒胸中不平之意。从这个角度来说,不管是宋画的精细,倪瓒、文征明、董其昌等文人画家的一丝不苟,还是魏唐时代的豪放,徐渭、八大的痛快淋漓,都是传统意义上的写意,这是我们要继承的。

二是从技术层面来说的,相对于西画对物象的客观写实,相对于工笔画对物象的细致描绘,我们说的写意中国画,更多指的是以神求形,笔墨传情,在技法运用上则表现为打破各种框框。对于写意山水画来说,就是不拘泥于传统成法,不纠缠于一枝一叶、一山一石等这些细节,而是追求整体神韵、意境,大胆画去,直抒胸意。

所以写意山水画特别强调“写”最忌“描”和“涂”,不主张制作、拼贴。“写”始终是中国绘画笔墨审美的基础,陈玉圃在《山水画理》中说:中国画至今能守恒不替,在发展前进中仍保存着国画的本体特色,那么重“写”应该是其中一个重要因素。“写”就是泻,引申为散。蔡邕说:“书者,散也,欲书,先散怀抱。”书画同源,强调的都是作为审美意义的“写”的作用。

但这个“写”,不是脱缰的野马,放飞的风筝,“逸笔草草”决不是乱涂乱抺,潦草了事。

事实上,“写”是一个从写实到写意的升华过程,是一个从形似到神似的过程,不可能一蹴而就,它是建立在对笔性、笔力,墨色、墨性的了解和掌握基础上,建立在对传统笔墨技法的了解掌握上,建立在基本的写实造型能力上,同时也建立在对中国山水画画理的理解基础上,这就需要经过长期正确的练习和实践,需要对现代山水画审美正确的认识。

张际才 《林深不知处》 2007年 68x68cm

三、中国山水画的动态美与韵律美。

中国山水画中的大自然从来都是活的,而不是死的,所谓气韵生动,就是要让画面活起来,流动起来。

美学家宗白华曾说过:“舞是中国一切艺术境界的典型。”“舞”就是动感,中国书画艺术非常强调笔飞墨舞,韵律美感。 英国美术史家罗杰·弗莱也说:“中国艺术首先引人注目的,是在其中占首要地位的线的节奏,这种线的节奏又总是具有流动和连续的特征,这真是一种用手画出来的舞蹈的曲线。”

的确,我们所能看到的汉唐绘画和见于敦煌石窟的北魏北周时期的壁画,都具有一种飞舞的动态美。

朱景玄在《唐朝名画录》中说,王维的山水画具有“山谷盘郁,云水飞动,意出尘外”的意境,可见动态美是衡量中国山水画审美的一个重要标准。 就是以倪瓒、董其昌为代表的元明文人画家所强调的闲静、幽寂,画面实际上也是动的,呈现内在张力,只不过他们更注重以静制动。

我们常说,看中国山水画要“远看其势,近取其质”,这个“势”,就是“动势”,就是动态美;我们说创作时要注意从整体到局部,就是要注重画面整体的“动势”“气势”等效果。

清代笪重光在《画筌》中说:“得势则随意经营,一隅皆是;失势则尽心收拾,满幅皆非,”就极为强调“势”在中国画创作中所具有的神妙功能。

什么是“势”?什么是中国画的动态美?就是指画面整体呈现出来的跃动的态势,这里既有画面形象呈现出来的动感,也有蕴含于笔墨中的起、承、转、合的变化与节奏,也有表现在构图上有意识构思出来的奇峻之境。

张际才 《梦回故乡》 2010年 68x68cm

四、中国山水画的意境,实则是一个诗化了的自然;看似写形,实则画境,一种来源于生活又高于生活的诗境。

“诗画一体”“画中有诗”是中国山水画审美哲学的理想境界。

古人很早就意识到诗与画在意境表达上的共通之处,作为诗人的唐代王维第一次提出“画中有诗”,成为后世山水画追求的终极目标;苏轼说:“古来画师非俗士,妙想实与诗同出”,就是诗画一体的表达;黄庭坚评价李公麟的画作时说:“断肠声里无形影,画出无声亦断肠”;而李公麟也将自己的画比为作诗:“吾为画,如骚人赋诗,吟咏性情而已。”

两宋之后兴起的文人山水画,更是把田园山水作为理想生活的象征,将山居生活和隐士理想融入到山水画当中,强调山水画以形写神,可以“畅神”,可以“卧游”;历代山水画作品,画里是描绘崇山丘壑、山泉野趣,画外则是表现画家理想中的“隐居秘境”,画作中的很多景物看似平常,实则匠心独具,意在造境。

中国的古诗空灵、清淡、意在言外;中国的山水画质朴、和谐、画外寓情。意境是诗与画共同追求的一种情景交融的艺术境界,它是中国传统文化(文学、绘画、哲学)最具特色的精神内涵,是有限之中体味的无限意蕴。

诗与画的结合是一种哲学的美,诗情画意,相得益彰。这种美是发自心灵深处的感动,也是一种精神上的皈依。

张际才 《春韵图》 2007年 68x68cm

五、古人说作画“三病”是什么意思?对我们今天的中国画创作有什么指导意义?

“三病”出自北宋郭若虚《图画见闻志》卷一《论用笔得失》:“画有三病,皆系用笔,所谓三者:一曰版(板),二曰刻,三曰结。” 并对“三病”逐一进行了详细的阐述,翻译成大白话,大意是:

“板”,即呆板,因为功力不够、腕力弱,控制不住用笔而致线条呆笨。

“刻”,即做作、刻板,运笔过于追求某种效果,反而致笔迹生硬,棱角暴露。

“结”,即滞碍不流畅,不痛快,所谓“欲行不行,当散不散”,看上去很不舒畅。

中国画重视用笔,重视线条美和气韵,清代笪重光在《画鉴》中说:“画法忌板,以其气韵不生。” 用笔如果“板、刻、结”,哪里能来“气韵生动”和线条美?

“三病”总的来说就是死板,所以我们主张作画要“活”,强调以“写”为主,追求生动活脱,不拘泥于成法。但这个“活”和“写”,又不是狂涂乱抹。要达到挥洒自如的地步,一是要讲法度,二是要基本功的练习与积累。为什么有的人画了多年,“苦练”了多年仍然死板?恐怕最主要的一个原因,就是不得其法,即自己未悟出画法或无明师指点。

张际才 《青山韵》 2009年 138x68cm

六、怎样正确临摹山水画?

临摹是学习的重要手段,但临摹要讲究方法。方法对头,效果就大;方法不对头,就会走弯路,甚至像黄宾虹老师所说“入邪道”,改起来就更难!

临摹山水画特别要注意三点:

1、选水平高的范画

古人讲“取法乎上”,就是要学水平高的,或选择你特别喜爱的。学山水画临什么样的范画,同练字选帖一样,对后面你画画的风格将影响巨大,所以起步要高,应该临艺术水平高的作品。对于初学者还应注意选择清楚易学的。如选择水平低俗或印刷模糊的作品,则很难从中学到技法,甚至还会带偏节奏,画出毛病来。

2、选择与范画对路的纸张

范画如能看出洇的水印,一般为生宣纸;如果较工细又无洇的迹象,就有可能是熟宣,如果地子泛黄又能看出布纹,则是矾绢。临生纸范画应该用生纸,临熟纸和绢画应该用熟宣。否则,临不出范画的效果。还有一点,临画用的纸最好与范画长宽比例一致,以便更好地学习范画的构图。

俗话说:薄纸宜画、厚纸宜书;单宣宜画、夹宣宜书。对于初学者来说,这也是一个参考。

3、临画注意七步骤

初学者画一幅山水画最好按这七个步骤来进行:起稿,勾墨线,皴,擦,点,染,着色。对于有一定绘画基础的人,则可灵活运用。

图片选自《张际才山水画册》(2020年版)、《怎样画写意山水》(2017年版)

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