Hi，艾瑞巴迪！
这一季的歌手们很棒！
之前几乎没有哪一季像今年一样歌手们能愈战愈勇，每一场的精彩程度都在叠加，惊喜、惊艳层出不穷；每一期都有让人以为是最精彩的一期，直到下一期播出。
这要归功于歌手们自身的积累，也要归功于节目组越来越包容的姿态——允许原创、允许小众、允许先锋、允许听不懂、允许各色各类各花各样登场。
闲话不多聊，我们来看看本周大家的表现：
| 华晨宇-《降临》
第一位也是老师想重点谈谈想法的一位，是花花同学。
从歌词意象与面无表情、抱手孑立的表演方式上，可以看出这一场的《降临》是上一场《神树》的呼应与延伸。
话虽如此，两者却有着截然不同的面貌：
前者声色激昂，画幕墨如长夜、红如殷血，歌手浅吟长嘶，壮怀悲亢。
后者声色玄朗，画幕皓如明月、璨如星阁，歌手轻喃慢颂，壮怀虔诚。
先说说歌本身。
虽然歌词的意象与表达都比较隐晦，但通过表演呈现大致能猜测出《神树》有着末世寓意，而《降临》便是神的造化。
呼应“环保“主题，《神树》似乎讲述了一棵有着神性的树，看着人类对环境的破坏招来山呼海啸的惩罚，祸及苍生万物，从而生出无限悲悯。
乃至发散想想，或许这棵树以其高大坚挺，最终被打造成巨浪不可摧的诺亚方舟，载下了地球生灵的最后火种。
而《降临》似乎寓指着神在造化人间的过程中所因仁慈而纵容出的“恶”，如不加小心敬畏，必将恶果盈发，招来神的惩戒。
其中有一句词挺有意思的：
“ 伊甸园放走阿修罗 ”。
一开始因为节目字幕错打成“伊甸园放走后陷落”，所以觉得不知所云。
后来听音频版本时看到正确字幕，才反应过来。
为什么说有意思呢？
因为伊甸园的故事出自《圣经》，是犹太教所创，后被基督教传承。
阿修罗是佛教中的概念，是非神、非人、非鬼的存在，性格好勇喜斗、凶狠残暴。具体阐述非常繁冗，在这里大约指代人性中“恶”的一面。
所以这句歌词我猜测是指代“人类的祖先因为偷食禁果被放逐出伊甸园”的《圣经》典故。
这两个隶属于世界两大宗教的概念蓦然地交合在一个画面里，虽然都意有所指，但还是唐突而滑稽的。
就好像听到“孙悟空三打雅典娜”、“诸葛亮智斗钢铁侠”。
（你说什么？王者荣耀？）
不了解其中关系的人听来不明觉厉，但熟悉宗教历史的人听来就会觉得这是在故作高深地卖弄了。
歌词里类似这样难经推敲的暗喻其实尚有一些。
此外，节目里还普及了歌曲采用的调式-雅乐音阶，并历数了中国古代五声音阶与今天世界通用的十二平均律的对应关系。
这当然非常有科普意义，让观众更多了解一首歌的背景及其中趣味。
看到这一段老师有两个想法：
1.就像花花同学在过往的节目中曾严肃教诲选手的那样，对于音乐创作者来说有扎实的乐理功底非常重要。
“你得知道自己写的是什么。”
为什么今天许多流行歌曲没有“风格”，听上去总是似曾相识的靡靡的所谓“芭乐”，正是因为创作者不了解调式、律动、结构等等变化可以为歌曲带来的风貌上的大不同，从而没有旋律创作上可供围绕展开的核心思想。
也就是大家都会说的“没有灵魂”。
没有风格特征的歌曲就像没有风味的菜肴，可果腹而难品赏。
2.观众/听众需不需要学习歌曲背景知识？
从节目介绍来看，《神树》和《降临》歌曲的立意是“呼吁环保”。
如此说来，这是两首具有普世的宣传意义与创作情怀的歌曲。
因此，相信创作者也希望更多人能欣然接受这首歌并从中生出感悟。否则歌曲就谈不上“普世价值”了。
所以在这样的歌曲里，无论是前面谈到的歌词内容，还是现在说到的音乐风貌，我们究竟需不需要观众/听众通过学习背景知识才能欣赏？
既然歌曲里很喜欢用宗教隐喻，那老师这里也举一个宗教里的例子来说明道理。
同是《圣经》里还记载了一个著名的寓言故事：巴别塔。（巴比伦塔）
大意是说，在古巴比伦王国，人类某日联合起来希望能兴建起一座通往天堂的高塔。上帝察觉到后，为了阻止人类冒犯，便让建造高塔的人类说起了不同语言。
于是造塔的人们因无法沟通最终半途而废，各散东西。
所以语言是交流的工具，却也是交流的隔阂。
老师一直说，音乐是一种世界语言，其中声乐更是如此。
我们听不懂异国歌手说话，但这不影响我们欣赏他/她们唱歌，甚至还能因为欣赏对方的歌声进而学会一些对方的语言。
所以，流行音乐创作者们其实不必去强调自己用了什么奥妙，更不必把观众的欣赏建立在此之上。
尤其音乐性本身之复杂、之包罗万象，每一首优质的歌曲也许都能解读出一本小传来。
术语也好、方法也罢只是创作者间的工具，具有欣赏价值的风格与形态就算观众不了解内部机理，一样能领略到美妙感受。
（好比魔术？）
国内今天流传的音乐形态已经要比上个时代丰富地多，而我们看到新生代的音乐人们带给他们受众的又是完全不同以往面貌的歌曲和表演，便是极好的证明。
所以，希望我们的创作者们不要有创作“包袱”，把内容丰满，把表达简化，让歌曲成为通用语言而非彼此隔阂。
这才是风格成熟的标志。
最后说说演唱。
整首歌下来最大也是最明显的问题是和声过大。
前几场也有同样的问题，而昨天这一场尤其明显，无论是电视播出版本还是音频版第一段副歌起主声就已经淹没在和声里。
虽然和声编写非常动听，但这样一来抢占了歌手主声的表现空间，让原本晦涩的歌词更难直接听懂，并且也失去了声音色彩和歌手口吻附加的感染力；
二来，毕竟是歌手现场竞演的节目，无论是后面四打一的男团还是把自己包裹在和声里的花花，方式上都是欠妥的。
只是大家且为娱乐，不去较真而已。
但有一点值得品味的是，花花选择的舞台表演方式：
孑然独立，垂肩抱手，冷眼低眉，面无表情——这个姿态从头保持到尾。
这个明显经过设计的动作，很有意思。
我们之前说过花花是一个表演型的歌手，一旦上了舞台就会进入角色里。那么今天他是一个什么角色呢？
答案也许只有他自己知道，但我们不妨根据表演猜测一下。
翩翩羽化的衣着，冷眼旁观的姿态，口中呢喃的颂词，像不像一个领命而来执行惩戒的天使？
带着如此设定去看，这一段表演就会更有戏剧性，也更能进入到情境中去。
总得来说，花花连续奉献了两场精彩的演出，意图把观众带入到属于自己的表演次元中。
虽然稍有些遗憾，但老师相信正当打之年的花花同学会把属于自己的次元建设地越来越成熟。
| 太一-《玉》
这一季里在黄霄雲同学之后每位登场的新生代歌手都没有让人失望。
没有失望的点倒并不是唱得有多好，而是每一位新人带来的作品都有着属于他们这一代的面貌。
毕竟唱功可以训练，对于合格的声乐老师而言是没难度的基本操作。
但意识落后就有些棘手了。
特别是在训练成型时就打下的形态基础，如果后期不遇高人的指点，或缺少通透的悟性，或没有坚定的意志，是很难转型过来的。
这也是老师最担心黄同学未来发展的地方。
95年的“小男生”太一。
虽然以新人姿态登场，但其实25岁已经算不得年轻了，加之有上千首原创累积，所以太一的作品已经沉淀出鲜明的个人风格。
先说说唱。
在唱上面让老师有些意料之外的，是他声音特质里的“糙”和“硬”。
就像上一期开头提出的设问一样，我们多久没有听到内在力量刚毅的男歌手了？
似乎无论是偶像团体里的演唱担当还是新时代的创作歌手，有着前卫标签的男歌手都在往更轻柔、更细腻、更空灵靠拢。
原本预想中太一也会如此，但开口着实出乎意料，套用今天天另一首歌的歌名——直来直往，有力量又不失灵动。
力量来源于声带原始的肌能（真声能力），而快速咬字的灵动则来源于咬字状态的松弛。
这是很难得的。
虽然唱功总体上还比较稚嫩，需要技术动作的规整和控制能力的训练，但没有在前期模仿中丢失原生的力量感，这在后期塑造里有很大优势。
此外，看他的表演中有一种感觉，便是这个舞台束缚了他的发挥。
也许是因为很少登上这么“传统”的、“正儿八经”的舞台，面对的又是只有镜头没有观众的现场，无论是演唱状态还是表演节奏，比如唱到半程跑去打鼓的片段，表演都显得憋着一股劲儿——
有些焦急，有些“愣”。
可以想像的是，他的音乐风格与表演方式，如果放到热火朝天的音乐节现场会自然融洽地多。
最后想提一句的是歌词。
同样是一会儿西瓜一会儿围脖，一会儿又红掌拨清波，看似莫名其妙，但都向着主题意有所指。
其实这种词作风格大前辈们就玩过，比如发行于20年前，当时人们也觉得不知所云就是好听的《催眠》：
“ 太阳上山，
太阳下山，
冰淇淋流泪。 ”
虽然寓意隐晦，依然保持着意象的精致和韵律的流畅，值得今天零散随意的“自由派”词作学习。
对于语言体系和想象空间都更丰富的00一代来说，这样的词作方式相信会成为主流，也会在发展中变得更有章法、更加成熟。
| 袁娅维-《存·不存在》
对于这个舞台上的“旧人”，我们在前篇中已经阐述地很详细，而成熟歌手往往发挥稳定，每场表现大同小异，所以我们简略说说。
Tia这一场总体而言唱得很不错，最大的亮点是发声模式的调整：
更边缘化了。
就像我们之前提到过的“提前换声”——把假声的状态下行带入到原本真声的区间内，让声带振动更趋于边缘，Tia这一场的发声就十分边缘。
加上原本就有的“关闭”动作，发声点集中，声带发声部分被压缩到一个更小的区域内，所以她本场的演唱听上去比原先更松弛，高频段的泛音也随着发声边缘化而更丰满。
所以当我们看到歌曲编排是自己几期以来最“大”的一首，并且中段还穿插了精彩激烈的call &response，Tia依然能以很高地完成度收篇。
但是之前的问题依然存在，那就是面对“大歌”时力量感的不足。
从音色上来说，是中频声音的缺失。
不对比或许尚可，一对比MISIA就会听出明显的差距。
在同样第二换声点前后高音长音的强处理表现中，MISIA始终保持着雄浑充沛的力量，并且状态轻松收放自如；
而Tia力量感就要中空不少，并且容易唱得“累”，声音状态陷入疲劳。就像今天最后一句“Cause you”其实已经唱劈了。
但这不是技术上的问题，这是声带肌能上的差异。
所以如前篇所言，我始终认为Tia更适合带点邪性、带点风情、充满着细腻变化的“小作品”，那样更能唱出属于她游刃有余的味道。
| 徐佳莹-《Last Dance》
对于Lala同学，之前我一直以声乐老师的角度去欣赏，于是夸赞她：
非常标准，是值得每个修习流行声乐的女生效仿的榜样。
这一次，我们是试着以一个听众的角度去品评。
我觉得，从声音气质上来说，佳莹是一个在国内女歌手当中非常特别的存在。
为什么这样说呢？
首先，她的声音给人的第一印象是纯净晶莹、轻灵柔亮的，朦胧的气感包裹着干净磁性的音色，口吻亲切唱腔温柔，仿佛是在喃喃耳语。
如果仅仅如此，这样的女歌手多不胜数。
但徐佳莹特别就特别在，同样是温柔的声音外表，她的内核却不是纤细无力的。
我们可以听到她支撑稳定的喉下音和舒展的胸声，哪怕在换声后的高音部分依然保持着声音的开阔与力量。
所以她可以唱极致抒情的《寻人启事》，也可以唱需要爆发力的《不醉不会》，她自己的作品跨度不局限于传统视角下所谓“小嗓”女歌手的能力范围内，唱起来要远比听起来难。
温柔包装，不屈力量。
这是在女歌手当中是非常少见的。
回到这首歌的表演中。首先选曲很有看点：
一来伍佰老师的这首旧作最近正因为热门剧中的安利而风靡全网，“国民度”高涨。
二来我从初次听到这首歌起就心生期待——如果不用伍佰老师过于鲜明的个人风格来演绎这首歌，甚至是特质截然相反的歌手来唱，歌曲会呈现怎样的面貌？
相信怀揣这种想法的不止我一人。
所以当看到Lala本期的选曲是这首歌，居然有一种得偿所愿的惊喜。但同时也捏一把汗。
因为伍佰的个人烙印是在太强，让无数人为之“上头”，所以要想摆脱他独特的咬字和唱腔，重新赋予歌曲面貌，很容易让熟悉歌曲的人有陌生的抗拒感，同时在不熟悉歌曲的人听来又缺少辨识度。
幸而她最后完成地不错，同时演唱设计上也很聪明：
例如开场A段选择清唱。
一来清唱十分考验歌手演唱的稳定程度，音准、节奏的准确以及音色与动态的呈现都只能凭自己拿捏，并且一旦暴露瑕疵会非常明显。
如果遇到功力不足的歌手清唱，就容易出现特别尴尬的情况，比如等乐队一起，发觉歌手唱跑调了等等。
所以用清唱起头，在难度上是加分项。
二来清唱可以避免配乐对于原曲记忆的唤醒，让听歌的人在安静无杂念的氛围下单纯地听到歌声，更容易接受歌曲的新面貌。
于是，当熟悉的晶莹音色与温柔口吻空灵地响起，歌曲和观众都被迅速带进了“徐佳莹”的次元里。
稍有遗憾的是中后段。
可能是编曲上多少想让观众回味一下原曲的“上头”，配乐从“徐佳莹”的次元抽离出来到了“伍佰”的次元，Lala的演唱甚至挂起了伍佰式的哭腔，但在表现力上又没有伍佰那么个性张扬，以至于这一段完成地有些力不从心。
仿佛始终想去“够”但没有够到淋漓的状态。
关于这一点，也是老师想最后补充的。
我一直觉得很可惜的是——佳莹是一位“歌红人不红”的歌手，她有许多高传唱度的原创乃至翻唱作品，但知道她的“普通听众”并不多。
这其实与她舞台表演的表现力有很大关系。
说得直白一些，她不是一位很会“演”的歌手，加上声音特质的温柔包装，live表演就会缺少视听上的震撼力。
放在歌唱比赛里，假如遇到唱功或许一般但煽动性极强的对手，便容易被遮盖锋芒。
希望如果有机会，Lala同学能加强这方面的建设。
| 萧敬腾-《我只想要一个人的感觉》
很遗憾，从本季一路走来的表现看，这位台湾流行音乐的当家男歌手正在严重地走偏。
例如本场的全程“假声”演唱。
真的像Tia说得这很难吗？
作为一个声乐老师我要很严肃地说：
非但不难，而且是偷懒。
为什么这么说呢？
首先假声难不难无外乎能不能稳定地找到假声状态，这更多与声带条件有关。也就是所谓难者不会，会者不难。
但是从演唱角度来说，萧敬腾在本场中所呈现的假声是没有“芯子”，是放弃力量、虚掩声门完成的。
这就是我说“偷懒”的原因。
看过前几篇的小伙伴一定有印象，“芯子”也就是发声点的稳定一直是萧敬腾技术上的最大优点，赋予了音色以磁性、力量感与辨识度。
而为什么到了假声状态（前文提到过的声带发声区域更边缘化）就抛弃原有的优点，变成一个漏气的、没有核心的声音了呢？
作为对比，我们听一听高质量的假声是什么样的：
比如Maroon 5的主唱骚当（Adam Levine）：
追求一种外在的形态而丢掉了其中的灵魂，是舍本逐末的遗憾行为。
而萧敬腾同学对于外在的过度追求不光体现在唱上，还体现在演上。
他的舞台表演有着严重的包袱感，每一个动作都仿佛在提醒镜头捕捉自己的帅气。这就好比一个高颜值的演员，在表演中时时不忘邪魅一笑。
（突然想到早期的晓明哥）
这种包袱感在表演艺术中是非常忌讳的，是干扰演员投入表演的杂念，它会让演员的一举一动从为表演服务中抽离，变形为自我展示服务，让观众瞬间出戏。
游离于表演情境外是为浮夸，超出于自然反应上是为造作。
这就是大家所说的“油腻”。
舞台表演的确需要能装会演，需要能煽动观众情绪的夸张表演，但谁说一定要浮夸造作？
唱歌也好，表演也罢，从表达境界上来说正是要做到标题所言的——可以装作不经意。
同场吉克隽逸的舞台表现就是极佳的正面例子，我们后面再展开说。
逆耳的坏话点到为止，希望萧同学别在越来越歪的道路上走下去啦。
最后提一句这一场的舞台布景，细节挺有意思的。
比如钢琴上放了一只杯子，可能是在模拟夜晚在家独自弹唱的轻松氛围。
琴面上还有玫瑰花瓣铺成心形。我一直以为萧敬腾在最后会一口气把花瓣吹散，这样更符合歌曲“去他的爱情”的主题。
他最后的确是吹气了，不过是对着镜头吹向观众的，并不出意外地留下了写着帅字的邪魅一笑。
| 声入人心男团-《Qui Con Me》
不太好多作评价，因为美声和流行是不同的声乐流派，分别有各自的评价体系，演唱理念上也多有不同。
只谈几点感受吧。
首先很可惜男生四重唱没有男低声部，这在配置上是很不合理的。
一来缺少最具雄性魅力的低音，二来也导致四人声部上过于接近（男中-男次高-男高-假声男高），在合唱中出现了声音频段拥挤的“抢频”现象。
其次四人组队合唱对阵其他人独唱，如果放在严肃竞赛里是很儿戏的设置。
因为在大编排的歌曲演绎中，合唱的华彩与震撼程度远非独唱所能比，更何况是四人合唱，互相补足、互为承托，优势不言而喻。
因此只能说且当娱乐吧。
另外，给我印象最深的是四人中最具有流行特征的鞠红川。
他的重要意义有两点：
1.用清晰有质感的声芯和开阔的泛音成为这一组里最具有辨识度的声音色彩。而美声歌手如果要向流行靠拢，辨识度是首先得解决的问题。
（当然不止辨识度问题，除了声音本身外，还有解决演唱速率、风格、表达等等不同之处。所以我一直说“流行美声”是个包装给外行看的伪概念，因为根本是两个意识形态的东西。）
2.说明流行歌手完全可以与美声歌手同台表演，声音形态不同但完成质量上没有差异。
在三位美声歌手里，从直观表现上来说我最欣赏的是蔡程昱，喉位非常稳定，技术水准很高。
而仝卓就要稚嫩许多，声音状态失衡，唱得有点“愣”的情况时有发生。
作为假声男高的高天鹤在花腔部分有些可惜，因为他的“花腔”从模仿花腔女高音的角度来说音高太低了，始终在小字二组内，没达到花腔应有的清亮纤巧。
最后在舞台表演上提个小意见，希望能更自然松弛些，分散走位、增加肢体律动、减少相互侧身微笑等等美声表演中程式化的动作，相信会更适合这个舞台。
| 周深-《有可能的夜晚》
这首歌很适合放在最后，当作一首沉静舒心的晚安曲。
几期下来周深同学的表演中，昨天这场是我个人最喜欢的。
首先在《（我是）歌手》舞台上有不少拼接歌曲作为加花的作品，但是效果融洽、能为作品加分的并不多，大部分难逃生搬硬拗之嫌。
但在本场这一首歌插入了《La Vie En Rose》（《玫瑰人生》）却是合情应景，恰到好处。
说来挺有意思。在周深启齿唱的时候，我就在想，这一版的编和唱都很有缠绵浪漫的“香颂”气质。
想着想着，《La Vie En Rose》的熟悉旋律就响起了。
同样是表达浓烈缱绻的爱意，同样是极致抒情的呢哝语调，在歌曲气质上的高度吻合让这一次的点睛插曲升华了整首歌的可听性。
接着说说周深的唱。
声音上的优点诸如高辨识度的音色、通透的共鸣空间、平衡的气声比例等等就不重复论述了，主要提两个正对这首歌的优点：
1.表达精准。
周深在演绎这首歌时无论是动情的口吻还是轻柔的律动都把握得很适度，让人能放松地享受其中，没有最开始几场做大口型的咬字习惯和刻意加剧的情绪表达。
唯一遗憾的是第一段最后一句“ 让我成为你的有可能 ” 中“你的”两个高音唱词发力过猛，在听感上造成了突兀的断层。
根据歌曲结构和配乐表现，这里选择弱处理会更好。
2.声音位置稳定。
我们上一期有说到闭口音咬字的问题。
有些喉舌分离训练得尚不够好的歌手，容易在遇到“一”、“心”这样的闭口音伴随着喉结用力，发声位置往前开裂，造成声道堵塞、声音紧张。
这里周深同学给我们做了很好地示范。
大家可以仔细去听他唱到“替”、“你”、“心”、法语的“il”、“ll”等等带“i”（音同“一”）韵的词时，是不是声音没有挤压、尖锐的感觉，而是保持了靠后的发声位置和深度的咽腔共鸣？
最后同样提两个小建议：
1.舞台表演的状态有待更松弛，更有设计细节。
上台紧张是必然的，尤其在没有观众呼应的空场内面对看不清表情的摄像师表演，相信有过表演经验的同学都能设想这种不自然的感觉
但是我们不能让观众看紧张。控制自己的微表情，训练的时候设计多一些舞台表演的肢体动作、走位等等，让自己的表演“看”上去更轻松惬意。
2.开场不要说话。
周深同学的音色有所谓“开口脆”的效果，最惊艳的往往是出声的一瞬间。
所以我的建议是不要在演唱前加独白，把充分的惊艳感留给唱的第一句。
| 吉克隽逸-《直来直往》
一首不太“直来直往”的《直来直往》，作为live表演堪称惊艳。
前文提到了关于唱歌和表演是“刻意装作不经意”的话题，从表演上来说吉克同学就是很好的说明——
什么叫刻意呢？
指的是提前经过设计用于达到表演效果的动作，无论是表情，还是肢体、走位乃至使用道具等等。
什么叫装作不经意呢？
就是把这些刻意设计的细节用自然而适度的方式呈现出来。请看示范：
跟着节拍挑动的手指：
一抬眼间的明亮眼神：
轻佻自嘲的神秘微笑：
这些“魔鬼”细节动作幅度不大，出现频次不高，执行起来轻巧随意，却每次能应情应景地挑逗到观众。
相反地，如果动作幅度过大过猛，一来控制肢体消耗太多精力，影响唱歌；二来容易显得不自然，让观众产生“ 这人在干嘛？”的困惑。
而如果出现频次太高，哪怕是细小的节动作也会让观众产生疲劳，失去惊艳的挑逗效果。
例如吉克的挑手指动作是在开场A段，而轻佻的微笑是在唱最后一句前。
此外她也会随着乐曲进程以“卡点”的方式做一些转头、扭胯、伸臂、抬腿等瞬间动作，频率与时机都很合理、松弛、灵动、有张力。
所以，舞台表演的动作设计适度、适时非常重要。
（当然以上说的不包括唱跳表演）
唱歌也是同样的道理。
怒音、哨音、加花、嘶吼等等技巧性的装饰音乃至歌曲本身的轻重强弱明暗处理等等，都要贴合歌曲本身来设计，有节制、有章法地去铺排。
再来说说歌曲本身。
这一版编曲可以听出花了不少巧思在其中，让观众在每一段都能听到惊喜，这些是原曲里没有的。例如——
电声效果的迷幻色彩配合吉克松垮的唱腔放大了歌曲里暗黑的一面；
第一段尾句“你一定就得还”旋律的切割和重复一下把原本势弱的收尾有力地升华，承接下一段整体的拔起。
第二段副歌加入了大钟楼的钟声，呼应了歌词里的“广场”，让听觉意象瞬间开阔起来。
相似效果的还有最后一段主歌部分的欢呼声呼应歌词中的“人群”，同时这一段主旋律变形到和声旋律，再更有力量感的同时听觉上也更新鲜。
最惊艳的当然是尾段。
短暂空白后，配乐画风突然扭转，变成西西里静谧忧郁的吉他配上三角铁宛若风铃般的叮当声，吉克的声线也从之前的高亢回落到沙哑幽暗——“女孩一个人高歌着穿过闹市来到无人的废弃工厂，孤独而忧伤地喃喃自己的新娘梦”的画面呼之欲出。
无论从听感还是意象上都是绝佳的点睛之笔。
最后说说唱的问题。
就像第5期吉克初来奇袭的时候说得那样，我很喜欢吉克音色里原生的粗放的质感，所以主歌部分的演唱区别于一般女歌手精细化的处理，显得很有个人风情。
但到了副歌部分需要声音宽度和开阔共鸣的时候就有些欠缺了。
归根结底是发声模式上有短板：发声点比较大，难以支撑饱满的喉下力量，声音向传声通道的输送也不够集中、高效。
其实这首歌的副歌旋律写得很出有趣，有次和李思菘老师唱K时也聊起过。接在主歌轻佻的旋律后副歌却十分庄严华彩，或许像女孩幻想的婚礼，或许像用严肃来反衬她的自嘲。
原本很期待吉克能唱出这份华彩感，可惜并没能如意。
总得来说，这是一场“演”要大于“唱”的优质live表演，惊喜连连，出类拔萃。
| MISIA-《请别走》
还能说什么呢？
无比震撼，登峰造极。
以至于昨晚听完后久久不能入眠，黎明时候醒来又再听了一遍才重新睡倒。
我们此前一直赞扬MISIA的职业水准，更多的是说她唱功的精湛，说她风格全面，说她表演动人。
这些都是技术水平上的表现。
而在MISIA身上还能看到一个更高维度的职业化表现，那就是职业精神。
职业精神体现在哪里？
除了体现在不断精进的职业技能上，更体现在认真对待每一次表演上。
我们可以看到自从云录制开始，MISIA每一场都会细心地找贴合歌曲意境的场地作为舞台：
唱大爱她去了体育馆并摆上蜡烛；
唱Hip-Hop她去了舞厅；
唱爵士她去了小酒馆；
唱这次的《请别走》她去了天文馆；
为什么要去天文馆？
大家有没有注意到中段时候，背景墙上用荧光投射了一幅巨大的蓝色壁画？壁画上有狗、有兔子、有雄狮、有长蛇、有骏马、有铠甲、有战士等等，更有衔着橄榄枝和平鸽。
所以这首歌在MISIA的表达中已经上升为了一首扼叹生命的悲歌，从战争对人类生命之劫掠、对万物苍生之涂炭，到大千世界无数生命在浩瀚苍穹下的渺小无助，无一不在星河流转的壁画里和呜咽哀恸的歌声里。
所谓君王将相也好，兔狗牲畜也罢，不过一粒宇宙尘埃。
纵然万千呼喊“请别走”，风起尘散时谁又能不走呢？
这就是艺术家的格局和对每一件作品的苛待，直接把节目原本的固定舞台拔高了一个艺术境界。
要知道以MISIA的唱功和作品积累，她便是守着一间小厅任意点唱，也已经足够在节目里睥睨晚辈。
然后说说唱。
之所以说唱得登峰造极，我们从两个方面去看：
首先是演唱能力上，副歌在换声点上下快速地切换，MISIA控制得游刃有余，上行不虚不漏，下行不阻不钝。
整首歌时长6分16秒，持续演唱时间超过5分钟，远远超过一般歌曲的长度，加上有大段的换声区前后高音演唱，极容易陷入疲劳。
（大部分歌手连续中高强度演唱3分钟以上声带就会疲劳）
但是MISIA完成得一点都不“累”，轻松自如地起伏收放。
最精彩的，最后一句，不换声G5转E5长音并且保持着极澎湃壮阔的力量，真声能力强到不可思议。
对比之下，这首歌的中文版本《秋意浓》是节目常客，在过往版本中唱得最好的或许是The One。
他的模式是我们前面提过的提前换声，所以整首歌唱得一样自如来去，游刃有余。但是如此一来，力量上较之MISIA就要差许多了。
再是演唱处理（或者说“唱商”）上。
有过人能力的人或许不只一二，但能把能利用好的就凤毛麟角了。
因为当有了突出的能力，人们往往会不加节制地使用，大刀阔斧，恣意而为，在体育竞技里或许可以，但在艺术领域里往往会适得其反，难入上乘。
MISIA使用自己的能力时很有章法，起落虚实间都做得恰如其分，不为突起而起，不为逞强而强。
就算要爆发也是节制地、可控地爆发，声音放而不散，喧而不闹，锐而不尖。并且实力绝不多秀，也许直到某一场某一句，你才惊觉：
“原来只道她厉害，想不到竟如此厉害！”
最后一句长音雷霆收尾之后，我脑子里突然蹦出了《霍元甲》里的一句台词：
而反面例子当属迪玛希版本的《秋意浓》，大家可以自行体会一下。
还有一些有意思的细节，比如大家应该见过歌手拉麦收尾，声音渐弱渐远，好比“淡出”。虽然这不是一个好习惯，但也算一种有意境的表现方式。
这次MISIA在第三段副歌进歌时示范了一次方向拉麦，声音渐强渐进，好比“淡入”。
这个操作在类似这首歌副歌这样强起的唱句中有效避免了突兀感，在如万物滋涌的配乐交响中缓缓绽开人声，更有着天人合一的美感。
另外MISIA也是真敢不修音准。歌曲里虽有走音的地方，但在live中已经算是特别稳定了。
（想象一下每年节目总决赛的直播现场。）
最后简单说说编曲，用8个字总结：
构思精巧，法度严谨。
说在前面的是，与MISIA配合的是她常年合作演出的乐队，彼此默契如一，所以我们可以听到表演中人声与器乐的榫头契合地十分精密，互不争，互为应，严丝合缝地推进着。
而在节目其他歌曲表演中，我们经常会听到配乐与人声的抢频、乐器与乐器的抢频以及榫头上的不整齐等等。
接着在编曲上，我们可以听到层次鲜明合理的递进：
冷暗孤绝的篠笛以刺突的离调吹奏划破安静，立下苍凉的基调；
接着提琴和钢琴进前奏；
提琴收，人声进，与钢琴和完第一段主歌；
提琴起，进副歌。
弦乐整体轻起，人声加重，进第二段主副歌。
弦乐渐强、回旋，篠笛再起。这里篠笛的作用不光光是贡献一个音色了，更是在4分钟这个易疲劳的时间点用一个极有记忆点的声音和特别的演奏方式唤醒听觉，让人为之一振，随即引出最高潮。
弦乐恢弘流转，人声高亢壮阔，进入第三段副歌。
整体收，人声弱起，钢琴轻和，进入尾段。
大部分编曲设计到了这里就结束了。但没想到彩蛋藏在末尾：
最后两个唱词铿锵一击，配乐整体起烘托人声，再与人声一起戛然顿止，绕梁三日。
这就是所谓的“豹尾”了。
如果尾段只收不放，不够震撼；而只放未收，观众难免疲劳。并且有了静与动的落差对比，才更显出动的震撼。
当然，这也是歌手能力成全了编曲设计。
通过梳理，我们可以看到编曲上井然有序地层层推进以及暗藏在其中的巧思。
这就是一个可以成为经典的优秀作品的面貌，是态度、意识、技能、配合的综合硕果。
今天就写到这里了，最后照例列一下本周老师心目中的排名：
1.MISIA（登峰造极）
2.吉克隽逸、周深（表演惊艳）
3.徐佳莹、袁娅维（表演标准）
4.声入人心男团、太一（可圈可点，稍有遗憾）
5.华晨宇（有遗憾）
6.萧敬腾（有比较大的问题）
各位新的一周加油，疫情尚未结束还要注意防护。
期待在留言区见到你。（记得我们说好的，不要口吐芬芳，也不要人身攻击歌手哦）