Hey，艾瑞巴迪！
想问大家一个问题，你们最近是怎么解决自己发型问题的？
前段时间就有男网友们发文吐槽，说自己再足不出户会变成当年的F4。
我一想，变成花样男子虽然造型过时了点又比较费电吹风，但总算还不错吧！
但是上周的时候，我突然意识到，在任发型发展下去自己可能不太像道明寺，更像高晓松。
这可还行？！
所以，大家最近到底是怎么解决自己发型问题的呢？
Anyway,千万不要相信从来没有露过一手的爸爸、妈妈、男朋友、女朋友说自己会剪头发！
好了，不太好笑的开场白结束。我们来说说昨天节目——《歌手2020》第四期。
之所以特别要强调“第四期”，是因为根据往季节目的发展经验，第四期往往意味着歌手们进入了疲劳的竞技状态。
一来前三期用掉了每个人的“三板斧”，能不能继续拿出让人惊喜的作品十分考验歌手的积累水平，也就是我们上期所说的“歌曲保有量”。
这和竞技体育里的团体运动如足球、篮球比赛中，我们会关注一支队伍的“板凳深度”是一个道理。
这方面MISIA在同场歌手里有着绝对的优势，在近20年的职业演唱生涯里她积累有超过500首经过细心编排的原创或翻唱曲目，就算是从节目的第一季打到这一季，她也不会有曲穷的时候。
剩下的无非是如何选曲更迎合中国观众的问题。
这就是职业歌手的标杆榜样了。她可以根据场景需求随时调出与之匹配的歌曲：在婚礼上唱祝歌、在教堂里唱颂歌、在音乐节唱嗨歌、在一隅静谧的角落唱悲歌。
而不是非要场景配合自己歌曲的特定情境，那样会有很大的局限性，难以职业化。
这里不展开说了，详见上一篇中的详细谈论。
相比而言，同场的新生代歌手们在这方面就要捉襟见肘地多。
哪怕像华晨宇已然称得上新生代歌手领军人物，有近百首原创或翻唱作品累积，但经过往季《歌手》和其他竞唱节目的消耗，留给他的选曲空间一样十分有限。
但是花花真的很聪明，能在逼仄的空间里玩出别样的精彩。这个我们后面细说。
大家可千万不要小看保有量的问题。
从昨天这一期的节目看，有歌手选择了自己的作品或者熟谙的翻唱作品，也有歌手挑战了自己首次公开表演的作品。
或保守或激进都是节目行进到中“艰”阶段歌手们所给出的应对策略，本身皆是合理的。
但很明显的是，先不论唱得水准如何，前者明显要表现得更得心应口、游刃有余，而后者难免显出些生疏。
同样说到每首歌曲的时候再细谈。
其二，到了第四期，在定歌、编配、彩排、调整、再排、表演这样高度密集、高度紧张的循环内滚过三圈，歌手们的疲劳感会非常重，状态也会有所下滑。
这是血肉之躯共有的人之常情，在所难免。
哪怕坚强如MISIA，昨天的状态较前三期也是有下滑的。
但反过来说，这时候我们就很容易能看出一个歌手的基准线了。
哪怕状态再疲惫，基准水平高的歌手一样能拿出应有质量之上的表演，也许不如往日惊艳，但仍然能成为一丝不苟的标版——该做到的都会有。
昨天的节目其实信息量很大，除了以上这些前提，还有两点值得说在前面——
1.日本音乐
MISIA唱了《向着未来》，很多人惊呼：
“ 这不是《后来》吗？！”
于是大家惊讶的发现，传唱至今的《后来》竟是舶来品，原曲来自日本。
其实老师想说的是（有不少70、80后小伙伴可能已有了解）：
日本流行音乐文化在上世纪很长一段时间内是亚洲当之无愧的头把交椅，甚至与汽车一样反过来入侵发源地欧美国家，独领风骚数十年。
这其中最大的原因当然是经济发达。
在“友邦”美国的监督扶持下，在以1964年东京奥运会为标志的“奥林匹克之春”前后，日本通过大力发展现代工业使经济迅速腾飞成为世界第二大经济体。
到了80年代，日本又迎来金融业高速膨胀，国民财富累积与消费欲望暴增，“家家吃和牛，户户夜笙歌”。
这种世界格局与金融运作下催生的繁荣一直到90年代才被戳破泡沫，灰飞烟灭。
这段繁荣期留给日本音乐的财富是巨大的。
首先体现在硬件科技上。
日本音乐最辉煌的音频硬件生厂商当属索尼（SONY）。
在今天数字音乐时代前，音乐是以模拟音频信号的方式被记录下来的，这就需要高保真、大容量的优质硬件做为载体
相信大家“CD”这个词不会陌生，CD又名激光唱片，正是模拟音乐时代里这种载体的最佳选择，也是歌手专辑的主流呈现方式。
相信对于70、80后的小伙伴来说，“一台CD机+一沓CD唱片+两只音响”在很长一段时间里都是自己的听歌方式。
甚至在模拟音乐向数字音乐发展的过渡期，还出现了一个夹缝产品——CD walkman。
大朋友们相信已经欢呼起来了，我知道你们拥有过，
具体是什么就不考古了，小朋友们有兴趣可以问问度娘。
为什么要说这些呢？因为CD这种传播音乐的形态正是由索尼公司与飞利浦公司在1980年联合推出的。
而索尼在音频科技的路上显然走得更远些，接着陆续推出了许多标准化与发烧级的音频硬件。
索尼的高解析无损音乐播放器至今仍是无数听歌发烧友的心头好，价格不菲，但物有所值。
同时索尼的许多基础设备是各间录音棚广泛选择的标准配置，例如这一期里淹没在Tia新烫的大波浪中的监听耳机-索尼MDR7506/7510（目测），价格不贵，但十分标准。
好了，再说下去就有广告之嫌了。
（对天发誓，没有收钱）
说完硬件科技，再说说作品。
《向着未来》的原词曲作者叫玉城千春——一个译名都极美的名字。
刘若英小姐有两首广为流传的经典曲目翻唱自她的作品，例如：《后来》、《很爱很爱你》。
而另一首脍炙人口的《原来你也在这里》则翻唱自另一位日本作曲家中岛美雪。
同样是中岛美雪作品的，还有节目第2期MISIA翻唱的《骑在银龙的背上》，中文版本是范玮琪的《最初的梦想》。
类似的例子还有很多。
2004年我们的师姐韩雪小姐推出的《飘雪》，正是翻唱自日本作曲家松本良喜创作的《雪之华》。后来随着韩剧《对不起，我爱你》催泪热播，韩版的翻唱又再度让这首极动听的歌红遍全亚洲。
时间再往前推一点，一些站在华语流行乐坛历史顶峰的人物有许多作品还是来自日本：
邓丽君小姐的《漫步人生路》曲作者是前面提到的中岛美雪，王菲小姐的《人间》、《容易受伤的女人》同样出自她的手笔。
张学友先生的《太阳星辰》翻唱自日本歌手德永英明，《秋意浓》、《月半弯》翻唱自日本作曲家玉置浩二。
后者还有一首中国听众耳熟能详的被翻唱中文词作品——顺子的《Dear Friend》。
称
尚有余多，不胜枚举。
大家有兴趣可以搜一搜这些歌曲的原唱，往往别有一番风味。
总得来说，日本流行音乐对华语流行音乐（尤其是早期港台音乐）影响深远，促进了早期港台音乐的繁荣。
除此之外，日本音乐也有不少风格化强烈的代表，例如老师个人很喜欢的两支摇滚乐队——
彩虹乐队和X JAPAN。
虽然这两支乐队因为造型十分“视觉系”而常常被外界诟病揶揄为“杀马特鼻祖”，但这丝毫不影响他们在音乐上的成就。
这也应了标题里的话“成见是艺术的天敌”。
就像往期的留言区里常常有评论某个歌手“娘”。诚然我们欣赏刚毅的声音，但这不影响我们接纳并欣赏多元的声音形态。
一个艺术家要想获得艺术境界上的飞跃，首先就应该挣脱生理的束缚和成见的制约，允许更多的灵魂进入自己的身体，否则只能在自己筑起的局促世界里固步自封。
我很赞同张国荣先生的一句话，并把它印在了我们深圳店的文化墙上：
“我觉得艺人做到最高境界是可以男女两个性别同在一个人身上的，艺术本身是没有性别的。”
顺带提一嘴，我最喜欢的演员之一Reece Shearsmith（昵称“二册”）在新一季的《9号秘事》中就玩起了精彩的反串，推荐大家去看看。
篇幅关系，这里就不再展开说了。
只稍提一句，其实今天花花的作品里也多少能听出日式摇滚的影子，澎湃热血的配乐、激昂撕裂的音色、极致直白的表达等等。
时至今日，日本流行音乐在工业规格、形态多样上仍然是值得我们学习的榜样。
2.节目后期
在新一期的节目里，相信节目组综合了上一期的反馈意见，对歌手演唱的音频后期做了标准相对统一的处理，让这一期的可听性大大增加。
这么多歌唱竞演节目，为什么老师单单只写《歌手》的乐评呢？
因为我相信这个曾经开创性地做出国内最优质歌唱节目并成为行业标杆的节目组，依然保持着追求卓越的精神，值得书写之
为节目组加油！
接着，我们就要来逐一说说昨天各位歌手们的演唱了。
| 袁娅维（Tia）-《Love Can Fly》
Tia本场唱得是自己的原创作品。
因为是自己作品的缘故，相信在创作过程中就经过了反反复复地打磨、体会，有着自己的深度思考，并且成品后也在不同场合唱过成百上千次，所以此番演绎就如前文说的——
得心应口，游刃有余。
第一次听她唱这首歌是在16年初《中国之星》的决赛录制现场，当时身穿长礼裙的她还有些紧张，不如这一场在录音棚的环境里来得放松、自然，技巧性的细节、口吻的变化等等也更耐寻味。
尤其喜欢A段收尾的“这明明就是爱”，挑逗的眼神、无辜的口吻、浅浅软软的翘舌音，瞬间立起了整首歌缠绵妩媚的格调。
类似这样的设计，才是从能唱歌到会唱歌界线。
而后段的演唱也要比前几期更好一些。
没有突兀的爆发，没有阻塞的听感，我们能很清晰地听到她的声音里始终有来自动机为“气泡音”的芯子，这个芯子赋予了她的声音以金属感与辨识度。这个压缩发声点成为芯子的技术叫“关闭”。
同时她的声音里也有另一个动机为“喉下气团”的宽阔的“喉下音”，喉下气团由声带合拢档气使喉腔膨胀而成，喉下音赋予了她的声音以力量与宽度。这个使喉腔形成“喉下气团”并通过气团调节音高的技术称为“闭合”。
（所以闭合不是把声带合好就行啦！）
当这两种发声动机（气泡音与喉下气团）独立作业互不冲突的时候，我们就得到了标准意义上的“混声”。
它能让我们的声音更集中、锋利、有辨识度的同时又宽阔、有力。
而有时运用不当，用于发声的气流会向前冲击到喉下气团导致原本合拢的声带被冲开一部分，声列变大，声音出现粗糙的撕裂感，这就破坏了混声的状态。
Tia前几场的高音部分多少有这样的现象，而这一场要好得多，对发声的控制更得当。
而老师要说的另一个重点是，在赛后她语气平静地说：
“ 这是我五六年前写的歌，希望在的观众应该能接受了。”
语气虽然平静，但话里委屈的意味浓浓。
其实我对Tia一直是赞赏有嘉，不吝褒奖，甚至觉得她在自己所擅长的Neo-Soul领域内是国内最优秀的女歌手。
但是今天却想泼一泼冷水。
真的全怪这届观众不行吗？
我们在第2期的时候详细分析过大家为什么不听“高级”的流行乐，里面提到各种各样的因素阻碍了大众对于音乐形态多样性的认知。
但是作为一个出现在市场中的创作者，行业发展实际的参与人，我们除了责备环境，更要严格地审视自己的作品。
观众真的是愚昧的吗？市场真的是抗拒接受新鲜事物的吗？
很显然历史的发展从来没有停歇过，而在历史车轮上踏轮而行的正是万千普罗大众。如果大众接受新鲜事物，历史又怎么会变革到今天呢？
远的不说，老师很喜欢拿周杰伦举例子。
周董的音乐在当年的市场上另类程度比之今天的Tia、花花有过之而无不及，他是如何做到征服了当代年轻人的耳朵又中和了当代中年人的审美，成为粉丝年龄跨度超过30年的超级偶像呢？
很简单，除了部分猎奇之作，他的大部分作品是新鲜且好听的——
大部分人都能欣赏出的直观的好听。
我始终觉得在作曲方面，周董和陶喆都称得上天才。
他们的许多作品如果直接演奏就会是一章简短而完整、丰富而极动听的乐曲，不仅有年轻人偏爱的轻快、灵动的节奏，也有普遍审美意义上隽永、优美的旋律。
这种隽永、优美不是碎片式的“某一句好听”，而是结构性的呈现：首先每一段落都有动听而又记忆点，接着段落间相互呼应、顺延发展并且旋律发展自然流畅，不为起而起，不为落而落。
这样结构性的旋律呈现往往会让歌曲更有记忆点，更容易在五分钟内征服听众。
我们前文提过那些的日本作曲家，包括港台一些资深的创作者罗大佑、李宗盛，《约定》、《成全》、《十年》的作者陈小霞等等，都是这方面的优秀代表。
不管是什么风格的音乐，要想获得大众的认可，旋律性都是不可缺失的。
今天当打之年的创作者里邓紫棋、花花在作品旋律性上都做得不错，我们很容易记住、哼起他们的歌。
然而放眼更多创作者，旋律性的缺失反而是当下不少作品的痛点。
以这首《Love Can Fly》为例，也许最有记忆点的一句旋律是作为桥接的“哒哒哒哒哒”，整首歌却缺少足够的旋律性的记忆点，而单段单句又难以让一首歌立足。
加上歌词的平庸化，作品难以被记住是可想而知的结果
仔细想一想，大家如果觉得好听，是不是因为“音色好听”、“唱腔好听”、“风格舒服”、“海豚音惊艳”等等。
但其实这些对于一首歌来说都是“身外之物”，换言之很容易就能被模仿、超越。
就像这场表演里前段加入了《See You Again》。为什么要拼接两首没有关系的歌呢？
想来因为认同《See You Again》的歌曲品质，并且歌曲流传度高，容易博得好感。
所以为什么别人的歌就能即品质现代又有高流传度呢？这就足够反映出问题了。
总之，Tia如果想在作品流传度上有所突破，还需要在歌曲“内核”上多下功夫，而不是流连在风格的“高级感”
| 周深-《无问》
周深是一个在声音和语言上悟性很高的歌手。
大家可能身边会有这样的人——他去了一个地方之后说话的口音会迅速被当地口音带偏，要是再过一段时间，他就能操着流利的当地方言了。
周深大概就是这样的一名男子。
前一阵参加了《声如人心》后，他的咬字就一直有些“美声化”，刻意地做圆做大。虽然这样听上去十分字正腔圆，但却失去了亲切自然的叙事感。
在唱抒情歌里这是很要命的。
另外他演唱的律动感也被带得四平八稳，如果遇到一首起伏不大的歌，容易唱得更波澜不惊——在这里太平稳可不是褒奖，这样容易消弱音乐本身的律动特征，从而让演唱趋于乏味。
然而周深的音色实在太好听也够特别，再乍听之下掩盖住了这些问题。
可喜的是，从上一期开始，周同学明显地在做出调整：
咬字变得更自然、舒展，律动也更贴合配乐有了合理的抑扬起伏。
大家可以仔细去听这首歌里周深在每句重音上的处理，几乎没有一句是平平而过的，副歌部分的起伏尤其处理得恰当动人。
在处理上要踢的一个意见是，因为歌声、歌词本身已足够煽情，所以不必把每一句的尾音都拖长，这样反而会显得拖沓。
干净利落的句尾往往更有想象空间，也更听歌的人得到暂歇，避免听觉疲劳。
最后要说的是选曲上的建议。
按照目前的态势，歌手“云录制”可能还要持续好几期甚至一直到季终也未可知。
如果周深的录制条件一直是在自己的房间里用自己的“小破麦”，那么他声音中很多动人的细节例如声芯的“磁感”、朦胧的“气感”就会在呈现的时候失色很多。
在这种情况下如果再选择像今天这样因为创作者自身的演唱局限而写得相对较扁平的歌曲，就更处于劣势了。
所以之后的选曲要谨慎斟酌，在设备允许的范围内尽量地灵动、多元（可以尝试更现代化些），基调也勿局限在极致唯美的抒情里，以免观众疲劳。
| MISIA-《向着未来》
客观地讲，MISIA这一场的竞演状态是有所下滑的。可能是受到日本也有疫情蔓延的影响吧。
尤其是到后段，在一些即兴发挥的部分，明显然觉到她想再表达出来一些，但最后还是平稳甚至略显草草地过去了。
虽然如此，从整体演唱的角度来说，就像前问提到的，一个基准线很高的职业歌手，在状态不佳的时候就算不能非常惊艳，也至少能发挥出教科书般标准的水平：
该有的一样不少。
稳定扎实的胸声（再次强调，这在女歌手里极其难能可贵）、饱满有力的喉下音、通畅舒展的高位置和高位置哭腔以及——精准动人的表达。
夸MISIA的话前两篇已经叙述的很详细，这里就不展开细说了。我们来说一个表达上的细节。
大家仔细听MISIA在主歌部分的演唱，会发现她每一句的口吻都像随着这句话叹出了一口气，仿佛娓娓诉说着不胜唏嘘的事，情深意重而感慨万千。
为何如此感慨呢？
我们来看看日文歌词说了什么：
“ 来看看你的脚下 这就是你要走的路，
来看看你的未来 那就是你的未来。
妈妈带给了我那么多的温暖，
她告诉我要拥有着爱前进，
那时候的我还年幼无知，
她拉着那样的我的手 一起走到今天。
梦想似乎总是在天空的远方，
很害怕我达不到，但我一直不停的追逐着，
因为是自己的故事，所以不想放弃，
不安的时候她就握住了我的手 一起走到今天”
相比于中文歌词讲的是情侣间的遗憾错失，日文歌词是思念母亲的作品，怀念母亲在自己人生道路上给予自己的无限温暖的爱意与勉励。
每一句似在怀念母亲的口吻，又似在鼓舞当下的自己，又怎能不情深意重感慨万千呢？
我们再细听MISIA在处理每一句时的变化，情绪有起有伏，口吻有重有轻，轻的时候声音不断、气感连绵，重的时候声音不钝、共鸣充沛，这都是非常标准的的示范。
周同学在这方面要向前辈多学习哦。
另外大家听MISIA的演唱，会有一种“带着伴奏”走的感受，而不是“和着”或“跟着”伴奏走，这就是一流歌手的演唱境界了。
在同台的歌手里MISIA是最典型的live型歌手，拥有强大的声音能力和充沛的表演热情，能以毋庸置疑的力量震撼观众的感官并引领全场的情绪。
并且她也是全场唯一能撑得住大交响乐队伴奏而不被抢频的流行歌手。包括Tia、黄霄云在内大家认为的“大号歌手”都还远没到同水平的声音能力。
| 萧敬腾-《纯金打造》
其实每次说到萧敬腾都很纠结。
作为台湾中生代歌手的代表人物，又拥有不俗的音乐素养，其实他身上应该有许多值得深挖细谈的东西。
但是他连续两场的表演又让人谈不出什么有价值的话题。
只能说表演有着浅层次的音色渲染、高音刺激和膨胀外溢的情绪，然而这是一个唱歌初学者在经过一段时间修炼后就能装模作样拿出的东西。
至于最后拿出来“炫技”的嘶吼更是如此，形式上是达到刺激感官的效果了，但是质量上呢？哪怕相比自己的前辈——信的嘶吼，气魄与力量又差了何止一星半点。
更何况一首用情颇深的情歌加入嘶吼是很奇怪的，嘶吼一般表达的是痛苦、愤懑、不满、抗争，所以您到底是爱还是不爱呢？
话说回来，如果想表达是爱到如痴如狂如疯魔的地步，那么整首歌的演绎基调都要变一变了，而不是深情款款中突然地爆发。
从节目第二季起就已经有观众已经会评论“只会飙高音是不行的”、“唱歌不能油腻”，相信经过这么多年的洗礼，到今天必定更多的观众欣赏水平已经不止停留在浅层次上了。
我们的歌手也应该做更多深层次的思考，如何让自己的live表演里除了有留在现场的刺激与热烈，还有留给以后的反复欣赏的价值。
最后在说一点拿麦的姿势。萧同学喜欢这样横着拿麦——
这是比远距离拉麦还要错误的方式，就像把剑当刀用，把枪作棍使，完全是偏离设计的用法，会造成严重的拾音不完整。
在唱歌这件事上，耍帅还是应该放在第二位的。
| 曾一鸣-《第一滴泪》
同样让我觉得失望的，还有萧敬腾的挑战者-曾一鸣。
也许从当天演唱水准的接近程度来说，他选择奇袭萧敬腾是对的，这是全场他唯一能与之一战的歌手。
但他的挑战又是注定会失败的，因为舞台表演经验上又远远不如对手，以至于连浅层次的渲染都没有做好。
也许说得重了点，但非彻骨冰浆不足以醍醐灌顶。
我觉得这一切的祸根就是标题的——自负。
曾一鸣来舞台前信心满满，表示无惧任何对手，又大谈自己为此准备了数年却迟迟不受邀约的委屈。
大有技冠群雄只是苦于没有机会出头，如今出头了便可睥睨天下的意思。
首先叫屈就是不应该的。
老师在这一行些许年，见过的歌手没有一万也有八千，认识的歌手里水准高过曾一鸣的成群而论，甚至远远胜之真的可以睥睨一番，却伏于草莽营营而歌数十年的都有好几位，也不见谁因为没上《歌手》而大倒苦水。
每个行业最终能出头的都是少数，看实力也看时运。
能被大众知晓，并且获得一次登上行业最高水准节目演唱的机会已经是时运万里挑一的好运人事了，有什么好叫屈的呢？
到应该珍惜机会，好好准备才是。
然而曾同学好好准备了吗？显然没有。
我们先来说一说这首歌——《第一滴泪》。
这首歌的原唱是动力火车。这个以高音见长的台湾原住民歌手组合在华语歌坛有着声乐上的里程碑意义。
为什么这么说呢？
简而言之，在他们之前，男歌手唱歌有力量，但唱不到high c（C5）。在他们之后，男歌手能唱到high c，但缺少力量。
（当然和他们一样的还有前面提到的信。）
所以动力火车的歌是两代歌手都可以去试水以检验自己演唱能力的神圣试金石。
故此曾一鸣挑战他们的歌是有理可循的，能不能有力量地完成high c或接近high c唱段将是挑战中的亮点。
亮点终究只是亮点，代替不了完整的一首歌，更不应该成为整首歌唯一花心思塑造的地方。
就像上一代歌手是先唱歌有了力量，然后去挑战高音。
而曾一鸣反了一反，高音部分有了力量，中低音部分却放弃了力量。
他在主歌部分的演唱发声点靠前，音色纤细狭窄（尤其缺少低频泛音），力量感薄弱，口吻也偏于绵软。而到了副歌部分发声点开始向中后段位移，并且给出了较重的喉下力量。
这样等于在告诉观众：主歌可以不用听，直接滑到后面就行。
于是他的演唱听上去十分割裂，副歌前后判若两人，会让听歌的人觉得“跳戏”。
演唱模式的不统一说到底是演唱技术的问题，说明缺少系统、规整的训练。因为这是初学者都会尽量避免犯的低级错误。
此外他在咬字上也存在很大问题：
这首歌以闭口音“i”归韵，十分考验喉舌分离的程度。如果喉舌分离做得不好，要么发声容易被咬字向前带，造成声音堵塞（试着发一声“yi”，是不是有一种向前的挤压感，再发“wu”对比一下？），要么咬字容易被发声往后带，变得笨重而含糊，失去亲切的语感。
而曾一鸣属于后者，遇到闭口音都将咬字咬到了口腔里，没有松弛自然的语感，反而有些咬牙切齿。
所以说，从声音能力上说曾一鸣还是值得肯定的，但也远没有到冠绝群雄的地步，而技术上更是十分粗糙，需要细作调整、训练。
如果他的自信只来源于胜过大部分上代歌手的高音能力，那也未免太肤浅了。
最后，也是他最不擅长的，决定了这一场挑战注定失败的——舞台表演。
其实在台下能唱好并不意味着上了台就能唱好，很多80分歌手上了台可能60分都不保，因为心理压力往往会让技术动作和情绪表达变形、失控。
尤其是面对陌生的舞台。
在高水准声光电强烈环绕的刺激下，曾一鸣同学表现出明显的陌生与愣神，神情飘忽，动作僵硬，甚至还不如一些初登舞台的好声音选手。
这点上一方面是因为缺少大舞台的历练，导致心理准备不充分。另一方面也是因为心中杂念太多，所以无法全身心地投入到表演中。
无论从哪方面说，我们的曾同学离成为一个优秀的歌手都还有漫漫长路要走，但已经也比大部分同行者拥有更多的机遇，别让无谓的自负成为最大的路障。
| 华晨宇-《荒野魂斗罗》
花花真的很聪明。
在逼仄的选择空间下，他把好友左立请来，只借一个兵却完成了三件事：
1.讲述了他们间的故事，为花花树立了“爱臭屁”的可爱形象，为这场表演铺垫了良好的情感基础。
2.帮他弹了吉他，弹得真不错。
3.帮他唱了和声，迷人的和声往往是花花作品的灵魂元素。
同时经过前面几首“大场面”歌曲的疲劳轰炸后，两人一琴的出场显得轻松怡然，赏心悦目。
这些都为他的表演奠定了美好的基调。
唱上面可圈可点，不需要奋力高歌的花花避开了近期演唱上的一些短板，能够从容可控地完成整首歌，同时充分展现出自己声音里特有的张力。
提个意见，坐着的时候控制一下手的动作，因为“坐”的设计在舞台表演中代表着悠然或沉静，不适合搭配大幅度的肢体动作。
说两个有意思的点。
前面提到花花的作品里能听出一些日本流行音乐的影响，而在这首歌歌名里的“魂斗罗”正是由日本游戏公司Konami在1987年推出的一款动作游戏，是红白机时代的经典之作，也算得上的80后男生的共同回忆。
（有没有大朋友留下了回忆的泪水？）
另一个点是花花请了左立来弹吉他。这说明什么呢？
说明左立吉他弹得比较好。
花花也会弹吉他，只是他更善于唱和创。
同理，“会”和“擅长”之间有很大的区别，“会唱歌”和“擅长唱歌”也有很大的区别。在舞台上要秀出自己最擅长的东西。
这个话题紧接着下面的黄霄云——
| 黄霄云-《打开》
首先接着前面的话题说，为什么要在开场设计坐在电钢前弹唱的段落呢？
如果是想展现优秀的音乐素养，那应该弹得更利落些，并且配合镜头更直观的展示。
如果弹得尚不够利落，那就不该设计弹唱，因为这样反而会造成演唱上的分心，扬短避长，画蛇添足。
大家也可以仔细听她在站起来前后的演唱状态，仿佛站起来之后状态一下就如释重负满血回归了。
这就是不恰当的表演设计对歌手发挥的影响。
说回唱本身。
年轻的黄霄云是老师见过的被训练地最好的“唱歌机器”之一。
这里可不是贬义，每个歌手在出道的时候都应该努力做到成为一个唱歌机器，这意味着在每个象限内都存有可塑性，未来的艺术生命力能承载的作品空间巨大。
我们在黄霄云的演唱中能清楚听到老师们在声乐课上常说的、人类可以发出的几种声音状态：低吟、真声、假声、气真声、气假声、空气声、尖叫等等，并且能把每种声音都乐音化的呈现。
同时从乐音化的角度说，她也能做到在高、低、轻、重、急、徐自由地调控，就像预设好的声音程序，无非看操作者如何编程。
所以这里不得不说的是，我觉得黄霄云目前的指导老师（虽然不清楚是谁）在演唱指导上存在很大的问题。
前面说的表演设计上的画蛇添足还只是最不致命的问题，致命的在演唱本身。
比如这一场，黄霄云拿出来的总体来说是一段声势夺人但割裂断层的演唱。
就以间奏部分突然爆起一段带着“山歌式”哭腔的即兴高歌，而衔接的是前面轻柔空灵的吟唱，这种强烈而不明所以的冲突设计让人吓一跳又哭笑不得。
怎么会这么胡来呢？这是遵循的什么道理呢？
后段当中这样状态割裂的演唱还有好几段，包括rap部分的咬字速率也不在点上，因为舌头的过度参与十分影响咬字速率。
直到结尾不出意外甩出一个漂亮的海豚音和一个精心的蹲坐收尾。
怎么说呢？最后的出彩要建立在前段的持续供能上，如果前面垮掉了，漂亮的收尾留下的更多是遗憾。
老师还是很欣赏黄霄云，一个绝对优质的可塑之才，千万千万，不要毁掉。
| 徐佳莹-《我还年轻 我还年轻》
要是再夸拉拉，大家可能要以为小干老师被徐佳莹小姐收买了。
算是吧，被一个好歌手用优质的表演所收买不是丢人的事。
好歌手就是该夸夸。
但说到这一场呢，其实给我的感受是惊喜和遗憾并存的。
惊喜的是Lala同学从上一场邪气灵动的《小半》里有上了一个台阶，选择了更不羁的《我还年轻 我还年轻》。
一个勇于脱离自己舒适区的歌手值得肯定。
其实说到Lala唱歌到底好在哪里，我们可以对比一个神话级的前辈——
邓丽君小姐。
说起邓丽君，无数乐评人一窝蜂夸她唱得好，纷纷把她列在华语歌手唱功排行的金字塔尖。
但很少有人能说清她唱得好在哪里？
高音很高？没有吧。
低音很低？也没有吧。
音色变化多端？好像没有黄霄云多吧。
曲风变化多样？这就更谈不上啦。
其实她唱得冠绝群雄的地方就是两个字：
稳定。
在一首歌里表现稳定，有着统一的模式和举重若轻的平衡感；
在无数现场表现稳定，不管当时状态如何，唱出来都能稳定如一。
如果有谁能被称为“行走的CD”，邓丽君小姐可以。而今天获得这个称号的很多歌手，其实现场稳定度还差很远。
这可不是信口一说哦，有兴趣的同学可以搜一下邓丽君的演出视频，对比一下今天歌手们被拍到的没有后期的live视频。
其实早年的歌手在基本功下往往都肯下苦功，一来当时录音技术不发达，还采用录音带线性录音，一旦唱得不稳就会浪费录音带。二来当时演出设备不先进，唱得不好很容易被观众听出，惨遭骂名。
所以老师才说这一代的歌手技术上比上一代进步了，但唱本身却是退步的。
说回徐佳莹。
徐佳莹唱得好在什么地方呢？同样的：稳定。
我们可以听到她在歌曲演唱中从头带尾都会保持统一的演唱模式，不会有声区间的断层。同时都高低音区都保持着松弛、自然的平衡状态，不会唱得吃紧或唱得虚飘。
所以听她唱歌是一件在听感上没有负担、十分舒坦的事。
然而这一场也是有遗憾的。
可能是时间紧、任务重，或者场地档期的制约，这场表演应该没有经过充分的排练，在副歌部分有好几处伴奏的榫头没有和人声卯上，导致了律动上一定的脱离感。
此外，参赛心理压力多少也给她造成了一些负担，在这首十分挥洒不羁的歌里没有能更放得开些，无论口吻还是唱腔都中规中矩了些，少了几分玩味的俏皮。
算是美中不足吧，期待下次。
好了，今天的唱评就写到这里啦。
还是对看到这里的小伙伴说一句，辛苦了，感恩有你！
最后照例列一下本周老师心目中的排名：
1.MISIA（教科书）
2.周深、袁娅维、华晨宇（有惊喜）
3.徐佳莹（稍有遗憾）
4.黄霄云（有遗憾）
4.萧敬腾（落后了）
5.曾一鸣（需要努力）
期待在留言区见到你。（记得我们说好的，不要口吐芬芳，也不要人身攻击歌手哦）