导读：油画的创新有没有比国画的创新更容易呢？其实两者要创新都一样，都不容易。但油画相对而言更丰富，表现力也是公认的比国画强。所以油画的形式自然比国画多。听听头条网友怎么说。
艺术的基本功，是艺术的基石，而创新，是艺术的灵魂和生命力
但是个人拙见，艺术的基础，只要你肯下苦功夫，花大量时间精力练习基本功，久而久之，日积月累，你的基本功完全可以达到娴熟的地步
但是，创新，并不是那么容易做到的
创新，需要太多的条件和基础
首先，需要深厚扎实的基本功，创新也需要地基
如果你地基不牢固，创新是无稽之谈
创新，并不是人人都可以创新，创新需要超群的艺术天赋
但是，你具备超群的艺术天赋，你没有遇见灵感，你还是无法达到创新的境界
你具备牢固扎实的艺术基本功，超群的艺术天赋，你也有许多创作灵感
但是，创新也需要你见多识广，为什么？因为如果我们见识狭窄，不熟读中外美术史
灵遁者油画
就算你达到了创新的风格，你开拓了一个新画风，你开拓了一种新的绘画材料
但是殊不知，在遥远的另一个国度，或者在遥远的远古时代，美术史上许多前辈已经使用过你的创新手法了。
西方人很早就在加入中国画写意，营造意境的创新了。并且受到东西方油画欣赏大众的高度评价。比如说《泉》，《陶》一类的油画作品，就总中西合璧之优秀作品。裸美女所倾之泉，相征清澄之甘霖源源不断成瀑布，是美之源泉，其意境足以给欣赏者以丰富的美意十足的联想余地，画有尽而意无穷。
西方油画家创造的丘比特、天使形象，往往在美的裸男裸女身上添加天使之翅膀，不论是不是受中国写意画风之影响，皆为中国画的写意之作，是中国画风的独有风格，是油画艺术借鉴而创新的范例。
中国出了个绘画大家吴冠中。正是学贯中西，作品为中西合璧之世界杰作。其油画所拥有的艺术价值，恰巧是油画艺术借鉴中国写意画的画风，进而创作出的东西合璧的世界杰作。
吴冠中把油画借鉴中国画的写意，把西方油画的直白，构图线条，创新到了极致。以致于西方人，西方油画家视吴冠中的画为世界的杰作，瑰宝。这是油画借鉴中国写意画成功的最好范例。
艺术创新是在继承传统基础上新的探索和开拓。以油画来说，欧洲文艺复兴时期开创了古典写实主义，从十五世纪到十九世纪，写实主义一直作为油画表现形式的主流引领着油画的发展方向。当写实主义走向巅峰“进退两难”，而且照像技术发明以后对写实油画造成“冲击”，这时印象主义油画和抽象主义油画先后应运而生，这种开创性的创新使油画重新焕发出强大的生命力并迅速成为世界绘画第一画种。
这是油画技法和表现手法上的大的创新。与此同时，油画三种主要画派写实主义、印象主义、抽象主义各自本身也进行着不断的创新。如写实主义油画从十四至十七世纪的古典主义写实到十八世纪的达可可主义再到十九世纪的新古典主义再到二十世纪的超写实主义。新古典主义中又有以库尔贝为代表的现实主义，以德拉克洛瓦为代表的浪漫主义，以安格尔、布格罗为代表的学院主义等。在印象主义油画中，又有以莫奈、马奈、雷诺阿为代表的印象主义，以梵高、高更、塞尚为代表的后印象主义，还有以马蒂斯为代表的野兽派印象油画等。在抽象主义油画中，有以毕加索为代表的立体抽象主义，有以达利为代表的超现实抽象主义，还有以杜尚为代表的现代抽象主义等。
艺术的创新都很难，无论国画油画！创新不是无水之木，它是继承下的造造。要求作者即要有深刻的技术功力，又要有独特的认识高度！
中国画历史悠久，传统条框很多，历代高手创造了一座座高峰，至近代齐白石黄宾虹傅抱石将中国画推上新的高度之后再难有在传统形式下的超越！
加之中国画工具的特殊性以及文化的特征使中国画学者面临创新的种种障碍！
油画是西方语言，近现代西方油画自印象派之厉是一部丰富的艺术创造史！
自由个性独特成为西方艺术家追求的方向！中国学油画受的是传统的西方教育模式，以写实为技术主，对抽象概念的在教学中并不强调。因此产生创造性的艺术家较少！
近代只有林凤眠有所独创，至当今其学生赵无极朱德群冠中略有创新！也是将中西融合的结果！
艺术创作具有无限可能性
——灵遁者
不是所有的艺术都是理性的，但所有艺术创作者都应该让艺术有无限可能性。你可以有自己的“风格”，但这种风格是具有无限延伸性的。和一朋友聊，他刚被国内一家艺术机构拒绝了。拒绝理由是：无法判断当前艺术家的创作方向和成熟度。
我对他说：“这样的拒绝理由你不必伤心，反而应该开心。”因为艺术创作在我看来，永远都不要拘泥，永远都要像个小孩一样。你要创作出连你自己都难以复制的作品。比如说赵无极的抽象作品，他的空间布局，颜色渲染都极具洒脱和随意，却在整体上不失紧凑。
对着一个石膏像，任何一个美院毕业的学生，都能画出来。当你去试试赵无极的油画，你看是否可以再现他那种感觉。甚至可以不夸张的说，赵无极自己临摹他某一幅作品，都很难的。他会以这种风格再画一幅，而不是临摹一幅。因为临摹本身就是一种“刻板”。
但对于初学者而言，无论学什么，临摹是必须的。但最终你要忘记“临摹”的规矩。为什么很多的画总是有千篇一律的感觉，就是因为绘画者从学画到美院毕业的体系学习中，把自己的思维也“镶进”在固定流程中了。
我敬佩每一个美院毕业的学生，因为他们画什么都比我像。我连一条线都打不直。所以我在画的时候，会借助一些工具，比如尺子，胶带等。但我的创作是无法再现的，因为我在画的时候，就赋予了作品无限的可能性。
举一个例子，画家一般创作的时候，要打形。而我更喜欢创作不打形的作品。一开始不给自己颜色限制，空间限制，人物限制，时间限制……可能我会在纸上先随意的扫几笔。然后以这“几笔”为源，向整个画面去铺。甚至每一个“元素”的诞生都具有随机性。但你看到整体画面的时候，你会惊讶“喔”，原来画成这样了。
我得承认我不会素描，不懂配色，你要画一幅很“正常”的画的时候，比如夕阳下的天空，夕阳下的海水。当你不会配色的时候，你的画面是“一塌糊涂”的，是很脏的。
所以你需要表达什么，需要用什么方法，很重要。如果你是写实，那么你必须有很“精准”的功力。艺术家还是要走“学院”路线，不能像我这样。所以我永远成不了一个“精准”画家，但我的作品也是一种启示，就是一个不会画画的人，他是如何来表达思维的，来再现脑海中的画面。
灵遁者油画作品《梦魇》
就像我画的《梦魇》和《红色的凝视》，我画画的朋友说，你的这类作品，我是无法再现的。而这些作品又很有渲染力。我画画的冲动一直有。小时候爱涂鸦，但没有怎么涂，更没有条件去学绘画。长大了有条件了，又没有时间。但后来朋友和两个客户的鼓励，让我勇敢的拿起了画笔。尤其是一位素未相识的山东读者，他收藏了我的两幅作品，让我不敢相信。我赶紧主动告诉他，我不是画家。他说他知道啊。
当别人都赞同你的时候，你更应该勇敢。将你的擅长发挥到极致， 你能带来的冲击甚至是你自己想象不到的。你在为一个行业注入了新的活力，新的方式。但还要知道，你不擅长什么。就像画《红色的凝视》这副作品，我很清楚我不应该以更多的色块去溶一个元素。因为很可能我把画面搞脏。然后失去画面的“统一”和应有的冲击力。所以我以一种颜色【大红色】，完成了这副作品。当完成这副作品的那一刻，它就是我眼中的“蒙娜丽莎”。而且由于我在创作过程中铺了随机的人物调子，然后又以一层红色覆盖。所以大红色调并不单一，而已还隐藏了“凝视之外的凝视。”这也是其他人不能复制这副作品的原因。连我自己也不能了。
无论是写作还是绘画，我都希望自己把艺术推向无限可能。我永远不希望自己形成固定风格和方式。我只会以一种属于我自己的“风貌”去表现物质和精神。
但在我的创作中，其实物质和精神永远不是有界限的。你从《梦魇》中就能看到，空间，物质，时间，人都是融为一个框架里的。你无法分开他们。以梦的元素去表现现实世界的无限可能。
还是我经常说的那句话：“人类是以想象力征服世界的。”爱因斯坦深谙此道，所以他才能跟我们说：“想象力比知识更重要。”因为没有想象力，知识的无限可能性就会被限制。
艺术要具有无限可能性的另一个启示就是——我们人生不要设限，让自己的人生也具有无限可能性。
摘自独立学者，艺术家灵遁者散文作品集《我的世界》